Aniversario de Tin Tan: la vida y carrera del “Pachuco de Oro”

Tin Tan: El Pachuco Inmortal que nos Enseñó a Reír con Ritmo y Estilo

Hay figuras que nunca pasan de moda, cuyo ingenio y carisma trascienden el tiempo. Hoy, en el aniversario de su nacimiento, recordamos a uno de los más grandes: Germán Valdés “Tin Tan”, el inolvidable “Pachuco de Oro”. Más que un comediante, Tin Tan fue un artista completo: un actor genial, un cantante con un swing único y un bailarín extraordinario. Fue el rey del barrio, el maestro de la improvisación y el hombre que hizo del “spanglish” un arte.

Un primer plano en blanco y negro del comediante Germán Valdés "Tin Tan" con una sonrisa pícara. La nota explora el legado del Pachuco de Oro.

Germán Genaro Cipriano Gómez Valdés y Castillo, nacido un 19 de septiembre de 1915, no fue solo una estrella de la Época de Oro del cine mexicano; fue un fenómeno cultural que le dio voz y estilo a toda una generación.

El Nacimiento del Pachuco: Un Estilo que Rompió Moldes

A diferencia de otros cómicos de su época que representaban al peladito o al campesino, Tin Tan adoptó una figura urbana, moderna y fronteriza: el pachuco. Con su traje “zoot suit” de pantalones anchos, saco largo, tirantes y sombrero con una pluma, representaba a los jóvenes mexicano-americanos que creaban su propia identidad entre dos culturas.

Tin Tan no solo se vistió de pachuco, sino que le dio un lenguaje. Fue el primero en popularizar el “spanglish” en el cine, mezclando palabras en inglés y español con una naturalidad y un ingenio que conectaron de inmediato con el público. Frases como “¡Ya estás, wacha!” o “Nel, pastel” se volvieron parte del habla popular gracias a él.

El actor Germán Valdés "Tin Tan" bailando en una escena de sus películas, vestido como el Pachuco de Oro. La nota celebra su vida y carrera.

Un Genio de la Improvisación y la Comedia

Lo que hacía a Tin Tan un artista único era su increíble capacidad para la improvisación. Muchas de las escenas más graciosas de sus más de 100 películas no estaban en el guion. Él jugaba con las palabras, rompía la “cuarta pared” hablándole directamente al público y creaba situaciones cómicas al momento, algo que volvía locos a los directores pero que el público amaba.

Estuvo siempre acompañado de un cuadro de actores inolvidable, como su “carnal” Marcelo Chávez, el enojón Fannie Kauffman “Vitola” y, por supuesto, sus hermanos Ramón Valdés (el eterno Don Ramón) y Manuel “El Loco” Valdés.

El Cantante que le Ponía Swing a Todo

La música era una parte fundamental de su arte. Tin Tan no era un cantante de rancheras; lo suyo era el swing, el mambo, el boogie-woogie y el rock and roll. Tenía una voz privilegiada y un ritmo en el cuerpo que lo convertían en un showman completo.

Grabó canciones que se volvieron clásicos, como “Bonita” y “Contigo”, pero su genialidad también lo llevó a hacer cosas impensables para la época. Fue pionero en grabar versiones en español de éxitos del rock and roll como “El Reloj” y “El Pantera” (Jailhouse Rock de Elvis Presley). Además, tuvo el lujo de grabar con leyendas del jazz como el gran trompetista Dizzy Gillespie.

La Voz de Disney y un Legado Inmortal

Por si fuera poco, su talento también llegó al mundo de la animación. Tin Tan fue la voz de dos de los personajes más queridos de Disney: el oso Baloo en “El Libro de la Selva” (1967) y el gato O’Malley en “Los Aristogatos” (1970). Su interpretación de “Busca lo más vital” es, para muchos, insuperable.

Aunque nos dejó físicamente en 1973, el legado de Tin Tan sigue más vivo que nunca. Es el pachuco bailarín, el cómico ingenioso y el cantante que nos demostró que se puede ser mexicano con un estilo único y universal. Hoy, en el día de su nacimiento, le subimos al volumen y lo recordamos como lo que siempre fue: un verdadero rey.

Un collage que muestra a Tin Tan junto a Baloo de "El Libro de la Selva" y O'Malley de "Los Aristogatos". La nota destaca su trabajo de doblaje.

Aniversario 68 del Mercado de La Merced: Conciertos Sonideros Gratuitos

¡Fiesta en el Corazón de la CDMX! La Merced Celebrará su Aniversario con un Maratón de Sonideros

¡Atención, bailadores y amantes de la cumbia! Saquen los zapatos de baile y prepárense para uno de los eventos más esperados del año en el barrio. El emblemático Mercado de La Merced se viste de fiesta para celebrar su 68º Aniversario, y como ya es una tradición, lo festejará con un maratónico baile sonidero totalmente gratuito que pondrá a temblar el asfalto.

Durante varios días, las calles aledañas al mercado se convertirán en la pista de baile más grande de la ciudad, con un cartel de lujo que reúne a las más grandes leyendas del movimiento sonidero.

Cartel aniversario de la merced

Un Cartel de Pura Leyenda Sonidera

La celebración del aniversario de La Merced es un agradecimiento de los locatarios a sus clientes y a su comunidad, y por eso, siempre tiran la casa por la ventana con la música. Para este festejo, se espera la presencia de los pilares del sonido en México, esos que con su voz y su selección musical han hecho historia.

Aunque el cartel completo se revela días antes, la presencia de los gigantes es casi una garantía. Entre los nombres que resuenan y que son un pilar de esta fiesta se encuentran:

  • Sonido Pancho, Sonido Sonoramico, Sonido Siboney, Victor Perez Amistad Caracas, entre muchos sonideros más.

La Merced: Más que un Mercado, el Corazón del Barrio

Esta fiesta celebra el 68º Aniversario de la inauguración de la Nave Mayor del mercado, que abrió sus puertas el 23 de septiembre de 1957. Desde entonces, La Merced se ha consolidado no solo como el mercado más grande de América Latina, sino como el corazón palpitante de la cultura popular de la Ciudad de México.

Sus pasillos llenos de colores, olores y sabores son el reflejo de nuestra identidad. Por eso, este aniversario no es solo una fecha, es la celebración de la gente, de los comerciantes que se levantan de madrugada y de la cultura de barrio que se niega a desaparecer.

Cartel aniversario de la merced

Guía para disfrutar del sonidero: Lo que debes saber

i ya te estás animando a lanzarte a este fiestón, aquí te dejamos los datos clave:

  • Fecha: La celebración generalmente se extiende por varios días, empieza el 23 de septiembre. Te recomendamos estar muy atento a las redes sociales de los sonideros para conocer el día exacto de su presentación.
  • Lugar: En la explanada y las calles aledañas al Mercado de La Merced, principalmente sobre el Anillo de Circunvalación.
  • Costo: ¡Totalmente gratuito! Es un regalo de los locatarios para el pueblo.
  • Recomendaciones:
    • Llega en transporte público: La mejor opción es el Metro Merced (Línea 1). El tráfico y el estacionamiento serán imposibles.
    • Usa ropa y calzado cómodos: Vas a bailar y a caminar mucho.
    • Ve en grupo: Es una fiesta masiva, siempre es mejor ir acompañado.
    • Mantente hidratado y cuida tus pertenencias.
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El caótico y emotivo adiós a Héctor Lavoe: así fue su funeral en el Bronx

Un 29 de junio de 1993, el mundo salsero se vistió de luto. Ese día, Héctor Lavoe, el eterno “Cantante de los Cantantes”, fue despedido por miles de fanáticos en un funeral que terminó siendo tan desbordado, desordenado y apasionado… como su vida misma.

Una despedida multitudinaria

El funeral se llevó a cabo en el Bronx, Nueva York, una de las zonas con más herencia latina en la ciudad. Desde temprano, multitudes se congregaron fuera de la funeraria Frank E. Campbell, en Madison Avenue, donde fue velado. Las filas eran tan largas que bloqueaban calles enteras. Entre los asistentes había fanáticos, amigos, colegas de la música, familiares y muchos curiosos.

Vestían camisetas con su rostro, portaban banderas de Puerto Rico y no faltaba quien pusiera en altavoz alguno de sus temas más emblemáticos como “El Cantante” o “Periódico de Ayer”. Era una escena donde el dolor y la celebración de su legado se cruzaban a cada paso.

Música, lágrimas y caos

El cortejo fúnebre avanzó con lentitud rumbo a St. Raymond’s Cemetery, en el Bronx, donde reposaban ya los restos de su hijo, Héctor Jr. Pero lo que debía ser una procesión solemne, terminó siendo un caos emocional y logístico.

La gente gritaba, lloraba, empujaba por acercarse al féretro. Algunos cantaban a todo pulmón mientras otros bailaban en las banquetas. La caravana fúnebre tardó casi seis horas en llegar, y el ambiente era tan tenso como conmovido. Se reportaron incidentes entre asistentes y hasta con la policía, que intentaba mantener el orden.

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“Llegó tarde hasta a su entierro”

Algunos bromearon —con el dolor en el pecho y el humor que solo un salsero entendería— diciendo que Lavoe llegó tarde hasta a su propio entierro, haciendo alusión a su estilo de vida indomable, su rebeldía y su manera única de desafiar el tiempo.

Y es que esa frase se volvió leyenda, como él. Porque el caos de ese día no fue más que una muestra viva del amor que su pueblo le tenía. Su música no moría; su espíritu seguía cantando entre la multitud.

Homenaje eterno

Lavoe fue sepultado inicialmente junto a su hijo en Nueva York. Sin embargo, en el año 2002, sus restos fueron trasladados a Ponce, Puerto Rico, su tierra natal, donde también descansa su esposa, Puchi Lavoe.

A más de tres décadas de su partida, su legado sigue vivo en cada descarga, en cada rincón donde suenan las congas, y en cada corazón salsero que lo canta como si nunca se hubiera ido.

Afrosound: el grupo que le puso el “chucuchucu” a la cumbia colombiana

En el corazón de la cumbia colombiana hay un ritmo que no pide permiso para entrar al cuerpo… ¡solo llega y lo pone a gozar! Ese ritmo sabrosón, eléctrico y tropical lo trajo Afrosound, una agrupación que en los años 70 cambió el panorama musical con su inconfundible “chucuchucu”.

Detrás de esta locura tropical estuvo Julio Ernesto Estrada, mejor conocido como Fruko, quien en 1973 decidió tomar lo más sabroso de la música campesina y mezclarlo con guitarras eléctricas, teclados y percusiones cargadas de energía. Así nació Afrosound, una propuesta única que se convirtió en sinónimo de fiesta.

Canciones como “La negra Tomasa”, “Agüita e’ coco” y “La danza de los mirlos” se volvieron clásicos infaltables en las celebraciones. Primero fueron pura instrumental, pero después llegaron voces como Juan Carlos Coronel, Jaime Ley y Mónica Guzmán, que terminaron por redondear el sabor.

Afrosound fue más que un grupo, fue un movimiento que rescató lo colombiano en medio de la influencia extranjera, y que se metió directo en el ADN del baile latino.

Hoy en día, su legado sigue sonando bajo el nombre de “Chucu Sound”, como una forma de mantener viva la esencia de esa música que prendía el salón desde la primera nota.

Porque aquí, en Sabrosita, sabemos que la cumbia no solo se escucha… ¡se siente, se goza y se baila con el alma! 💃🕺

Adiós, Reina del Sabor: Así fue el emotivo funeral de Celia Cruz

El 16 de julio de 2003, a las 4:55 de la tarde, el mundo salsero se estremeció: Celia Cruz, la eterna Guarachera de Cuba, la voz de mil batallas musicales y la reina indiscutible del sabor, partió de este mundo víctima de un agresivo cáncer cerebral. Pero su despedida fue todo, menos silenciosa.

Un adiós entre lágrimas, flores y mucho, mucho ritmo

El funeral de Celia fue un homenaje a su grandeza. Primero, fue velada en Nueva York, donde miles de personas —de todas las edades, nacionalidades y estilos— hicieron fila durante horas en la Funeraria Frank E. Campbell, en Manhattan. Muchos vestían con trajes coloridos, otros llevaban flores, pelucas y hasta lentejuelas, en honor a los extravagantes looks de la diva.

Después, su cuerpo fue llevado al icónico Teatro Apollo en Harlem, donde Celia brilló en vida y también fue despedida con amor. Ahí, el barrio se desbordó de emoción: aplausos, lágrimas, coros espontáneos de “La vida es un carnaval” y tambores que acompañaban su recuerdo. El legado de Celia ya era inmortal.

Víctor Manuelle y un homenaje de alma salsera

Ya en Miami, durante la misa en la imponente Catedral de San Patricio, se vivió uno de los momentos más conmovedores. El salsero Víctor Manuelle, visiblemente emocionado, le rindió tributo interpretando una versión cargada de sentimiento de La Vida es un Carnaval. Su voz temblaba por momentos, pero se mantuvo fuerte, como el cariño que el género entero le tenía a Celia.

Las lágrimas no se hicieron esperar. Aquella misa no fue un acto solemne, fue un acto de amor. Los asistentes, vestidos de blanco, celebraban la vida de una mujer que jamás pasó desapercibida.

Celia vive, ¡y vive sabroso!

Hoy, en Sabrosita, no decimos adiós, decimos gracias. Gracias a Celia por recordarnos que la salsa no solo se baila, se vive. Que el sabor no está en la boca, sino en el alma. Que no importa cuán difícil se ponga la vida… mientras suene su música, hay fiesta asegurada.

Celia Cruz partió, sí… pero se quedó en cada bongo, en cada clave, en cada “¡Azúcar!” que soltamos al bailar.

Rubén Blades: Datos curiosos del poeta salsero que puso a pensar a la pista de baile

Todos lo hemos cantado con sentimiento… “Pedro Navaja”, pero ¿qué tanto sabes realmente de Rubén Blades? Aquí te van unos datos bien sabrosos sobre uno de los íconos más grandes de la salsa, el hombre que le puso conciencia social al ritmo y nos enseñó que también se puede pensar bailando.

🎓 Abogado, actor y… ¿aspirante presidencial?

Rubén Blades no solo es cantante, ¡también es abogado! Estudió Derecho en Panamá y luego obtuvo una maestría en Derecho Internacional en Harvard. Por si fuera poco, en 1994 fue candidato a la presidencia de su país. Sí, como lo lees… del soneo a la política.

🎬 Ha actuado en más de 30 películas

Además de su carrera musical, Blades ha demostrado ser todo un actorazo. Ha participado en películas como The Milagro Beanfield War, Fear the Walking Dead, Safe House y Predator 2. ¡Y no solo eso! Ha sido nominado a premios Emmy y tiene tremenda presencia en la pantalla.

🎤 “El Cantante” no era para Héctor Lavoe

Aunque hoy no podemos imaginar “El Cantante” sin la voz de Lavoe, Rubén escribió esa canción pensando en sí mismo. Pero fue Willie Colón quien propuso dársela a Lavoe… ¡y el resto es historia musical!

📀 Más de 20 premios Grammy y Latin Grammy

Rubén Blades no solo es querido por el pueblo, también por la industria. Ha ganado más de 20 Grammys y Latin Grammys, incluyendo Álbum del Año y Mejor Álbum de Salsa. ¡Una leyenda viviente!

🌎 Ha cantado en inglés, portugués, francés e italiano

Aunque su fuerte es el español, Rubén también le ha entrado a otros idiomas. Ha hecho colaboraciones en inglés y hasta grabaciones en francés, portugués e italiano. ¡Eso sí es tener sabor internacional!

🧠 Salsa intelectual, pero con tumbao

Lo que hace único a Rubén es que sus letras cuentan historias. No son solo coros pegajosos, también hay poesía, crítica social, ironía y reflexión. Gracias a eso se le conoce como “El poeta de la salsa”.


🎶 En Sabrosita 590 – 1410 lo seguimos bailando, escuchando y admirando. Porque Rubén Blades no es solo un cantante, es un cronista del barrio, un luchador social y un artista que puso a pensar a la salsa.

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Así surgió la enemistad entre Marc Anthony y la India

Marc Anthony y la cantante puertorriqueña, La India, grabaron juntos la canción “Vivir lo nuestro” en el año 1994. El tema resultó todo un éxito y ambos se veían muy conformes con la reacción del público. Sin embargo, la relación entre ellos cambió luego de esta colaboración debido a polémicas declaraciones del salsero.

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La puertorriqueña salió a su cruce y tildó de “soberbio” Anthony por lo que la relación acabó antes de lo esperado. No volvieron a hablarse. Aquel tema de salsa que impulsó la carrera de ambos, fue también la bisagra en su amistad.

¿Qué pasó entre Marc Anthony y La India?

Luego de grabar la canción “Vivir Lo Nuestro”, Marc Anthony y La India comenzaron una estrecha amistad que hasta despertó rumores de posible romance. Sin embargo, las cosas fueron muy diferentes.

El desgaste que sufrió la amistad fue menoscabando el vínculo además de las declaraciones cruzadas que luego efectuaron uno sobre el otro. La relación acabó antes de lo esperado dado que la puertorriqueña manifestó que a Anthony se le había subido la fama a la cabeza y que había perdido la humildad.

En 2017, La India declaró: “Es una tristeza que hoy día no pueda hablar con Marc y hacer juntos una nueva canción. Porque ‘Vivir lo nuestro’ fue un tema que pegó muchísimo en el corazón de la gente y, sin embargo, no hay manera de comunicarse con él”.

En aquella entrevista, además, la cantante reveló el motivo por el cual no podía volver a entablar vínculo con Marc. “La fama le ha hecho mucho daño. Cuando llegas a un nivel grande, los que compran tus discos quieren sentirte, la prensa que tanto te apoya quiere entrevistarte, pero él se cree Dios”.

¿Por qué La India sostuvo estas declaraciones? El motivo tendría raíz en la década de los ’90 cuando Marc Anthony le destinó unas polémicas palabras en una entrevista, las cuales habrían generado que ella no quisiera volver a tener contacto con él.

“Esta canción la grabé con una tipa rara, que no me cae demasiado bien. La canción es una de mis favoritas, la tipa ya no se…”, esto fue lo que declaró Anthony. De inmediato, La India emitió una rápida respuesta y lo dejó en evidencia. ”Cuando se te bajen los humos y quieras cantarle al pueblo, yo estaré cerca de ese pueblo y te esperaré. Pero me vas a tener que pagar un billetazo grande”. La relación nunca volvió a ser igual. ¿Conocías esta historia entre Marc Anthony y La India

La Santería en 4 canciones de salsa (Parte 2)

Richie Ray y Bobby Cruz, Héctor Lavoe y Willie Colón, Celina y Reutilio y Celia Cruz hacen parte de este listado.

La salsa es uno de los géneros que más guiños hace a la santería. ¿No nos crees? Aquí te lo decimos

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‘Tengo el iddé’ – Celia Cruz y Johnny Pacheco (1974)

Con la composición de Catalino “Tite” Curet Alonso, aquí Celia habla de frente de la brujería y de la protección que le da el iddé, una manilla de cuentas verdes y amarillas, que protege a quien la porte ya que pertenece a los hijos de Orula, una deidad yoruba dueña de los oráculos y encargada de mirar el destino de los hombres y su futuro.

En su autobiografía ‘Celia mi vida’, Cruz cuenta que cuando era niña le tenía miedo al ritmo de los tambores y que no era una adepta de la santería, sin embargo, poco después, le atrajo el ritmo de los tambores batá. Interpretó temas como ‘Plegaria a Laroyé’, ‘yemayá’, ‘Shangó’, ‘Saludo a Elegua, ‘Tributo a los orishas’, ‘Elegua quiere tambo’, ‘Ocanosordi’, ‘Changó ta vení’, ‘Santa Bárbara’ u ‘Óyeme Agayú’

“Cuando oí esos cantos por primera vez de chiquita, salí corriendo a esconderme … Sin embargo para mí esa música pronto se volvió mucho más que una religión, era una forma preciosa de expresar mis raíces africanas. Me aprendí las letras lucumíes de las canciones”, escribió. Aunque nunca se declaró santera, en varios de sus espectáculos, sobre todo cuando se presentaba en El Tropicana, hizo performances en el que interpretaba ese papel. Para ella, cualquier cubano sabía de santería porque era folclor nacional.

Según una acusación de La Lupe, Pedro Knight, el marido de Celia, era palero, una persona relacionada con la magia negra o brujería a la que se conoce con el nombre de palo mayombe o palo monte. La cantante cubana  afirmó que le había dicho esa afirmación a un periodista off the record, sin embargo, salió publicada en un periódico.

“Y a tu babalao que se aguce

Que yo su corriente la sé

Y ahora lo tuyo me luce

Como que no rompe el Iddé

Y a tu babalao que se aguce

Que yo su corriente la sé

Y ahora lo tuyo me luce

Como que no rompe el Idde (y digo)”

‘Aguanile’ – ‘El juicio’ de Willie Colón & Héctor Lavoe 1972

El título de la canción es en honor a Oggun, dios de la guerra, de los herreros, de la tecnología, de los cirujanos, del ejército y de los policías. Se suele relacionar con San Pedro ya que éste tiene las llaves de los cielos hechas en metal, el elemento de Oggun.

Aguanile es una palabra elaborada por dos raíces yorubas: ‘aguan’ que significa limpieza, aunque también se relaciona con una cesta que se usa en los ritos para poner alimentos y ofrendas, e ‘ilé’ que quiere decir casa.

Se retiñe mucho la leyenda de que esta canción fue escrita por ellos luego de que fueran juntos a un rito santero para despojar a Lavoe de las malas energías y la negatividad que lo rodeaban en ese momento.

Lo cierto es que el tributo del Cantante a la religión yoruba no paró ahí: ‘Para Oshún’, ‘Che Che Cole”, “Rompe Saraguey”, “El Todo Poderoso” o “Mi Gente” y ’Sangrigorda’ fueron otras canciones en el que el culto africano se manifestaba en todo su esplendor.

Otra de las historias que se dicen entre bares y salsómanos sobre la relación de Lavoe y la santería es que durante la preparación para los conciertos africanos de la Fania All Stars, Héctor pasó un largo y duro síndrome de abstinencia acompañado de santeros que ayudaron a limpiarlo.

“Oye todo el mundo reza que reza

Pa’que se acabe la guerra

Eso no se va acabar eso sera’ una rareza

Aguanile, Aguanile, Mai Mai

Aguanile, Aguanile, Mai Mai

Ay tambores umaculli, Tambores umaculla

Que se echen todo pa’laoQue la tierra va ha temblar

Aguanile, Aguanile, Mai Mai

Aguanile, Aguanile, Mai Mai

Que abonbon chele abonbonchacha

Yo tragio pa’rociar a las muchachas

La Santería en 4 canciones de salsa (parte 1)

Aunque no se pueda hablar de un origen único de la salsa como género, sí se pueden encontrar patrones en ciertos ritmos que desembocaron en este fenómeno musical, comercial y popular que tienen que ver con los mestizajes desde los tiempos de la esclavitud y que aún hoy palpitan en otros sonidos en el continente.

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Antes que nada, ¿qué es la santería?

La santería es una práctica religiosa que se formó cuando esclavos provenientes de Nigeria, y otros países de África Occidental, se apropiaron de santos del catolicismo para conservar sus tradiciones culturales Yoruba desde tiempos de la Colonia.

La santería es una religión que adopta el culto a la naturaleza y a los espíritus y, a diferencia de los santos del catolicismo, los santos de la santería pueden ser invocados para hacer el bien o el mal por medio de un sacerdote conocido con el nombre de babalao.

Las canciones inspiradas en el culto santero no son solo narraciones de esta religión, sino que también cobran la figura de rituales que alaban o invocan alguna deidad de la cultura negra.

Estas son cuatro canciones de salsa que hacen un homenaje a deidades de la santería:

¡Qué viva Changó! – Celina y Reutilio 1949

Changó es el rey guerrero de la religión Yoruba de la justicia, de los rayos, del trueno y del fuego. Este orisha es viril, atrevido, violento y justiciero y precisamente su justicia es impartida por el rayo, por ese motivo, se dice que si a una casa le cae un rayo, se debe a la cólera de Changó.

Este dúo cubano fue una de las primeras agrupaciones en sacar del clóset a la santería a  través de producciones como ‘¡Qué viva Changó!’, ‘San Lázaro’, ‘Una fiesta con Ochún’, ‘Babalú’ o ‘Viva Yemayá’ y quienes, además, hicieron un puente sonoro entre la música guajira y afro conservando la métrica y el estilo de la primera, pero contando la historia de sus raíces negras y el sincretismo de la religiosidad en Cuba.

De hecho, cuenta la leyenda, que cuando Celina era joven Santa Bárbara se le apareció y le dijo: “si no me cantas, no vas a triunfar”. Y es que la relación de ella con la santería no era una simple apropiación de la religión.

El compositor vallenato Jorge Oñate contó en una entrevista al diario El Pilón que “en un día de calor infernal en La Habana, Celina salió a la terraza de la casa, abrió los brazos y dijo algo en Yoruba y al terminar y enseguida un relámpago impresionante y se vino un aguacero. Yo no sé si ella le pidió al de arriba que lloviera, ese momento no se me olvida porque apenas terminó de hablar en yoruba se dio el relámpago. De pronto fue una casualidad”.

Como curiosidad, Celina González y Reutilio Domínguez hicieron una versión de ‘Qué viva Changó’ en homenaje a Fidel Castro y a la revolución cubana.

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‘Yo soy Babalú’ – ‘Los durísimos’ de Ricardo Ray y Bobby Cruz – 1968

Babalú Ayé es el orisha de la lepra, la viruela, las enfermedades venéreas y, en general, de las pestes y la miseria. Se dice que se esconde entre la hiedra, el coralillo y el cundeamor para protegerse del sol y solo sale de noche. Es asociado con San Lázaro.

Según la leyenda, cuando Babalú Ayé salió del territorio yoruba, contrajo viruela por irrespetar a los orishas más antiguos por lo que fue despreciado y solo Elegua (el abrecaminos) se le acercó y lo llevó a donde Orúnla quien le dijo que si quería ser venerado de nuevo, tendría que purificarse con diferentes maíz y fríjol y andar con un perro.

Como Celina y Reutilio, este dúo hizo muchas canciones con guiños a la santería como son ‘’Lo atará la araché’, ‘Yaré Changó’, ‘Cabo E’, ‘Guagancó raro’, ‘Baba coroco’ o ‘Aggallú solá’.

El álbum ‘Los durísimos (The Strong Ones)’ de Richie Ray y Bobby Cruz fue publicado en 1968 y, se cree, es la primera vez que aparece el término “salsa y control’ justo debajo de la foto de los dos cantantes lo que se podría considerar una de las primeras grabaciones que acuñó el término ‘salsa’ y que abriría el sendero a una ola de artistas bajo esta etiqueta.

“Que Babalú me dijo a mí:

yo soy quien te está cuidando;

que Babalú me dijo a mí:

yo sé quién te está velando

y sé quién te está tirando

pero a ti no te entra na’…

Yo soy quien te está cuidando

pa’ que no te pase na’”

Andy Montañez rinde un emotivo homenaje a Héctor Atabal

El icónico cantante Andy Montañez, amigo y compañero del recordado Héctor Atabal, ha contribuido al nuevo sencillo de Atabal titulado “Pa’ Ti Héctor Atabal”. Este lanzamiento no solo conmemora el cuadragésimo aniversario de la banda, sino que también rinde un sincero tributo a su fundador.

El inmortal “Niño de Trastalleres” no solo presta su voz a esta canción, sino que además ha aportado una estrofa que se convierte en el corazón del tema, el cual será parte de un EP programado para su lanzamiento en el 2024.

Andy Montañez compartió sus sentimientos acerca de este emotivo proyecto, diciendo: “Me siento honrado de formar parte de este homenaje a mi hermano Héctor ‘Atabal’ a través de su música y su legado. Héctor, te queremos y siempre te querremos”.

Héctor Rodríguez, quien nos dejó en el 2020, fundó Atabal en 1983. El nombre “Atabal” hace referencia a los tambores o atabales, que son un elemento común en la música afrolatinoamericana, y esto ha sido un distintivo fundamental de la propuesta de la banda desde sus inicios y continúa siéndolo 40 años después.

A lo largo de su carrera, Atabal ha trazado un camino musical en el que lo tradicional ha tomado giros contemporáneos en la interpretación de géneros como la plena y la bomba. Cuando Atabal dio sus primeros pasos en diciembre de 1982, el hijo de Héctor “Atabal”, Caymmi, aún no había nacido. Actualmente, es Caymmi quien lidera la agrupación.

Atabal ha tenido el honor de representar a Puerto Rico en festivales de Europa y Estados Unidos. La fusión contemporánea que parte de la música tradicional de la banda ha cautivado a audiencias en todo el mundo. La agrupación se mantiene en constante evolución, incorporando conceptos actuales que la mantienen en la vanguardia.

Caymmi, el hijo de Héctor Atabal, compartió su perspectiva sobre esta herencia musical: “Continuar el legado de mi padre es una gran responsabilidad que asumo con orgullo. De él aprendí el amor por nuestras raíces y cultura. Me llena de honor ser parte de la nueva generación que apuesta por nuestra música puertorriqueña y, junto al Maestro Andy Montañez, perpetuar el nombre de uno de sus grandes baluartes, mi padre”.

“Pa’ Ti Héctor Atabal” ya está disponible en todas las plataformas digitales, junto con su video musical en YouTube. Este emocionante sencillo y su mensaje perdurarán en la historia de la música puertorriqueña.