Celia Cruz se convirtió en una de las máximas exponentes dentro de la música tropical, ganándose el título de ‘La Reina de la Salsa’, su carrera estuvo llena de grandes éxitos los cuales hasta la fecha seguimos disfrutando en las fiestas y una de las cosas que la caracterizaba era el grito “¡azúcar!” en cada uno de sus temas.
¡Azúcar! El origen del icónico grito de Celia Cruz
Cada que podía, la artista cubana gritaba esta curiosa palabra en sus canciones y presentaciones, ¿cuál es el origen del grito que se convirtió en el sello de Celia Cruz? La respuesta de esta pregunta viene de una tarde en un restaurante cubano ubicado en Miami.
De acuerdo con lo que la cantante contaba, en una ocasión fue a comer a este restaurante, al momento de terminar sus alimentos pidió un café al cual, obviamente, no le podía faltar azúcar, por lo que Celia detalló que cuando el mesero le preguntó si quería el endulzante en su café ella le respondió que sí de una manera peculiar.
“No chico, tú eres cubano y sabes que el café de nosotros es muy amargo, ¡con azúcar, viejo, con azúcar!”, relataba Cruz.
Esta historia hacía reír a más de uno cada que la contaba, incluso sus allegados le pedían que la compartiera en las distintas reuniones a las que asistía. La cantante de ‘La negra tiene tumbao’ no podía explicarse la fascinación con esta historia por lo que un día mientras cantaba ‘Tu voz’, se le hizo fácil soltar el clásico grito ¡azúcar!, convirtiéndolo desde ese momento en su marca personal.
Celia Cruz es una de las pocas artistas latinas cuyas canciones nos han hecho bailar, cantar y gritar “¡AZÚCAR!”, aunque no tuviéramos ni idea de lo que significaba el sello de la cubana en todos sus temas, después de esto ¿cambió tu percepción sobre el grito de la cantante?
El Grupo Niche es una de las orquestas más importantes y con mayor reconocimiento en el mundo de la salsa, tienen una trayectoria de décadas con una larga lista de éxitos que los convierten en los favoritos de muchos y a pesar de que su fundador Jairo Varela haya fallecido hace 12 años, la agrupación colombiana continúa trabajando y difundiendo su música en todo el mundo.
Pero ¿qué más sabemos del Grupo Niche? Ricardo Bicenty, primer mánager de la orquesta y su jefe de prensa, a lo largo de los años contó algunos datos curiosos que quizás no muchos conocían.
Jairo Varela solía escribir sus canciones en un cuaderno colegial Normal y siempre lo llevaba consigo. Dedicaba mucho de su tiempo a componer y a pulir los temas que había creado.
La prima producción grabada por el Grupo Niche fue ‘Al pasito’ (1979) y fue un trabajo con el productor y promotor Alfonso ‘El Conejo’ Barrios, pero las cabezas de la disquera no quisieran grabar nuevo material con la orquesta colombiana debido a que sus ventas no habían sido buenas.
Para 1981, Bicenty llevó al Grupo Niche a Codiscos para grabar su segundo álbum ‘Querer es poder’, el cual significó su saltó a la fama vendiendo millones de copias y consagrándose como una de las agrupaciones de salsa más importantes.
Según comentó Ricardo Bicenty, Jairo Varela tenía un gran talento para componer y es que de las 300 canciones que escribió ninguna era similar a la anterior.
Una de las cosas que impactaba a todos cuando conocían a Jairo Varela era la fe y confianza que tenía en el Grupo Niche, lo cual fue primordial para que estos alcanzaran el éxito.
¿Cuántos vocalistas ha tenido el Grupo Niche?
La orquesta colombiana tiene composiciones de Jairo Varela, fundador del Grupo Niche que han sido interpretadas por Álvaro el Castillo, Moncho Santana, Tito Gómez, Charlie Cardona, Javier Vásquez, Willy García, Wichy Camacho, Beto Caicedo, Álvaro Granobles, Elvis Magno y Osvaldo Román, etc.
¡Escuchen bien, mi gente sabrosa! Todos hemos bailado y sudado al ritmo de “Pedro Navaja” de Rubén Blades. Esa rola que suena en fiestas, en cantinas y ¡hasta en la memoria de las calles! Pero, lo que casi nadie sabe, es que Rubén se inspiró en una canción de, “The Threepenny Opera”, una obra alemana de los años 20.
¡Así como lo oyes! El personaje del Mack the Knife de Bertolt Brecht, fue el abuelito conceptual de nuestro querido Pedro. Pero Rubén no solo lo tropicalizó, ¡lo volvió leyenda urbana, con coro pegajoso y sabor callejero!
Y hay más: cuando la disquera escuchó la canción por primera vez, ¡no la querían lanzar, porque decían que era muy larga y hablada! Pero Rubén dijo: “¡Así se queda!”… Y el resto, es historia con clave y con tumbao.
En los años 90, cuando Marc Anthony comenzó su carrera en la música latina, se enfrentó a críticas feroces debido a su falta de raíces salseras. A menudo, las mismas críticas resonaban: “No eres un salsero”, “¿Qué sabes de la clave?” y “No hablas español”. Incluso en su país de origen, Estados Unidos, algunos llegaron a cuestionar su identidad estadounidense, llegando al extremo de llamarlo “mexicano” como un insulto.
Marc Anthony, nacido el 16 de septiembre de 1968 en Nueva York, es un estadounidense de ascendencia puertorriqueña. Creció en East Harlem, conocido también como Spanish Harlem o El Barrio. A pesar de las críticas, Marc Anthony nunca renegó de sus raíces latinas ni de su cultura. Sus padres lo nombraron en honor al famoso cantante mexicano Marco Antonio Muñiz. Desde temprana edad, bromeaba con las maestras sustitutas al simular ser un estudiante latino recién llegado a Estados Unidos, que no hablaba inglés. Incluso pedía a un amigo que actuara como su traductor.
Sin embargo, siempre mantuvo un fuerte vínculo con sus raíces puertorriqueñas. Su padre, en particular, insistía en que en casa se hablara español. A pesar de que tenía dificultades para hablar con fluidez en sus primeros años, Marc Anthony descubrió que su problema desaparecía cuando cantaba. Con el tiempo, superó completamente este obstáculo.
Sorprendentemente, Marc Anthony tenía un dominio limitado del español. Nunca imaginó que algún día grabaría canciones en español. A pesar de que sus padres eran de Puerto Rico y en su hogar siempre sonaba música latina, como salsa y boleros, Marc Anthony consideraba esta música como “la música de sus padres”.
Cuando salía de casa, su interés se dirigía a los diversos ritmos que inundaban la metrópolis de Nueva York, en especial el rhythm & blues, el motown, el disco y el hip-hop. Comenzó su carrera musical en el género del hip-hop como parte del dúo “Little Louie & Marc Anthony”, alcanzando el número uno en las listas estadounidenses en 1991.
La transformación de Marc Anthony en salsero ocurrió inesperadamente. En una entrevista con la periodista Adela Micha en 2013, reveló cómo se produjo este cambio:
Marc Anthony: “Una amiga mía me puso la canción ‘Hasta que te conocí’ un día en el coche. Tienes que escuchar esta canción. Me la puso, vi luces, me transportó y cambió mi vida para siempre. En ese momento, precisamente en ese momento, decidí que tenía que grabar en español. Bajé del coche, llamé a mi madre y le dije: acabo de escuchar una canción de Juan Gabriel que se llama ‘Hasta que te conocí’, ¡tengo que grabarla! Y ella me respondió: ya la ha grabado, ¿no? Yo le dije: tal vez podría hacer una versión de salsa, ¡salsa! Y una semana después, estaba grabando mi primer álbum de salsa. No sabía nada de salsa, para mí, la salsa era algo que se comía”.
Adela: “¿Esa fue la primera vez? ¿A partir de ese momento, te convertiste en el rey de la salsa?” Marc Anthony: “Sin saberlo, en mi vida, jamás pensé que grabaría en español, ¡pero salsa! ¡No tenía nada que ver con el género! No entendía lo que era la clave”. Adela: “¿Ni siquiera sabías bailarla?” Marc Anthony: “Nada, absolutamente nada. Pero cuando escuché esa canción, en ese día, decidí en ese momento que tenía que grabarla. Y dos semanas después, estaba en el estudio”.
En 1991, el productor Ralph Mercado lo fichó para su sello RMM y lo lanzó como cantante de salsa en 1993, logrando un gran éxito desde el primer momento con su canción “Hasta que te conocí”, una versión salsera de la canción originalmente compuesta e interpretada por Juan Gabriel. Este sencillo se convirtió en un éxito de ventas y marcó el lanzamiento de su álbum “Otra Nota”.
El disco fue galardonado con un doble disco de platino y fue la primera producción del artista que logró trascender las fronteras internacionales, convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos en la historia de la salsa y sigue siendo uno de los más solicitados en el género de la música tropical latina. En 1993, Marc Anthony se presentó junto a La India en dos conciertos llamados “La Combinación Perfecta”, donde interpretaron la canción “Vivir lo nuestro”. En 1994, tuvo el honor de actuar en el tributo al Rey de la música latina, Tito Puente, en el Madison Square Garden de Nueva York
Fundada en 1954 por Don Enrique “Quique” Lucca, esta orquesta fue de las primeras, en mezclar el jazz con la salsa dura, y lo hizo en una época donde eso no era común. Pero aquí, va lo sabroso: en los años 70’s, sin tener la maquinaria comercial de Fania, llenaban estadios en Panamá, Venezuela, Colombia y hasta Japón, solo con su calidad sonora, y el rugido de su público.
¿Y sabes qué más? Fueron también de las primeras orquestas en incluir, solos largos de piano y de metales, algo que después, se volvió común en el género. ¡Pero ellos lo hicieron antes de que fuera moda!
El 26 de junio de 1988, la vida de Héctor Lavoe, una de las más grandes estrellas de la salsa, dio un giro oscuro cuando intentó quitarse la vida saltando desde el noveno piso del Hotel Regency en San Juan, Puerto Rico. Aquel dramático episodio, impulsado por la profunda tristeza tras la muerte de su hijo, marcó el inicio del declive del legendario “Cantante de los Cantantes”.
Pese a numerosos esfuerzos para rehabilitarse, Lavoe no pudo escapar del túnel de depresión y adicción que lo envolvía. Su salud mental y física se deterioraron, al igual que sus relaciones, quedando prácticamente abandonado en un pequeño apartamento en Queens, Nueva York. Fue allí, en un ambiente marcado por la soledad, que el artista concedió su última entrevista para el programa Ocurrió así, en febrero de 1992.
Una Última Entrevista que Conmovió al Mundo
La periodista puertorriqueña Gloria Soltero fue la encargada de entrevistarlo. Aunque ya conocía la difícil situación de Lavoe, no estaba preparada para lo que encontraría. Héctor apareció en pijama, desarreglado, y con un semblante muy deteriorado, muy lejos del ícono vibrante que alguna vez dominó los escenarios. A pesar de sus esfuerzos para animarlo, el ambiente seguía siendo triste y sombrío, rodeado de discos de oro y platino que contrastaban con su frágil estado.
Durante la entrevista, Lavoe mencionaba repetidamente a su hijo fallecido y negaba estar gravemente enfermo, aunque era evidente que la vida se le escapaba. La conversación, que duró más de dos horas, se redujo a solo seis minutos para la transmisión televisiva, tiempo suficiente para mostrar al mundo el triste final de un artista legendario.
“Quería Morir para Estar con su Hijo”
Soltero, impactada por la escena, consideró cancelar la entrevista, pero recibió la instrucción de continuar con el propósito de ofrecer algún tipo de apoyo al cantante. Lavoe concluyó la conversación diciendo “Bye, Baby”, antes de retirarse a su cuarto, un reflejo de la soledad que había marcado sus últimos años. La periodista no volvió a saber de él hasta junio de 1993, cuando el mundo recibió la noticia de su fallecimiento.
En retrospectiva, Soltero comenta que Lavoe “quería irse, quería morirse y estar con su hijo”. Sus palabras resonaron con fuerza, ya que revelaban el profundo dolor emocional del cantante, oculto tras su imponente carrera musical.
El Legado Inmortal de Héctor Lavoe
Héctor Lavoe, cuyo verdadero nombre era Héctor Juan Pérez Martínez, emigró de Puerto Rico a Nueva York a los 16 años y se convirtió en un ícono de la salsa junto a Willie Colón, con quien lanzó éxitos como Aguanilé, Calle Luna, Calle Sol y La Murga. Posteriormente, en solitario, inmortalizó temas como El Cantante y Periódico de Ayer, consolidándose como una de las voces más emblemáticas de la música latina.
Pese a su vida trágica y tumultuosa, Lavoe sigue siendo recordado por su extraordinario talento y su legado musical. Fue honrado con estatuas tanto en su natal Ponce, Puerto Rico, como en el puerto peruano de Callao, reconociendo su impacto como el máximo exponente de la salsa.
El 29 de junio de 1993, Héctor Lavoe falleció a los 46 años, pero su voz y su música permanecen inmortales, convirtiéndose en un referente para varias generaciones de amantes de la salsa.
Un 29 de junio de 1993, el mundo salsero se vistió de luto. Ese día, Héctor Lavoe, el eterno “Cantante de los Cantantes”, fue despedido por miles de fanáticos en un funeral que terminó siendo tan desbordado, desordenado y apasionado… como su vida misma.
Una despedida multitudinaria
El funeral se llevó a cabo en el Bronx, Nueva York, una de las zonas con más herencia latina en la ciudad. Desde temprano, multitudes se congregaron fuera de la funeraria Frank E. Campbell, en Madison Avenue, donde fue velado. Las filas eran tan largas que bloqueaban calles enteras. Entre los asistentes había fanáticos, amigos, colegas de la música, familiares y muchos curiosos.
Vestían camisetas con su rostro, portaban banderas de Puerto Rico y no faltaba quien pusiera en altavoz alguno de sus temas más emblemáticos como “El Cantante” o “Periódico de Ayer”. Era una escena donde el dolor y la celebración de su legado se cruzaban a cada paso.
Música, lágrimas y caos
El cortejo fúnebre avanzó con lentitud rumbo a St. Raymond’s Cemetery, en el Bronx, donde reposaban ya los restos de su hijo, Héctor Jr. Pero lo que debía ser una procesión solemne, terminó siendo un caos emocional y logístico.
La gente gritaba, lloraba, empujaba por acercarse al féretro. Algunos cantaban a todo pulmón mientras otros bailaban en las banquetas. La caravana fúnebre tardó casi seis horas en llegar, y el ambiente era tan tenso como conmovido. Se reportaron incidentes entre asistentes y hasta con la policía, que intentaba mantener el orden.
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“Llegó tarde hasta a su entierro”
Algunos bromearon —con el dolor en el pecho y el humor que solo un salsero entendería— diciendo que Lavoe llegó tarde hasta a su propio entierro, haciendo alusión a su estilo de vida indomable, su rebeldía y su manera única de desafiar el tiempo.
Y es que esa frase se volvió leyenda, como él. Porque el caos de ese día no fue más que una muestra viva del amor que su pueblo le tenía. Su música no moría; su espíritu seguía cantando entre la multitud.
Homenaje eterno
Lavoe fue sepultado inicialmente junto a su hijo en Nueva York. Sin embargo, en el año 2002, sus restos fueron trasladados a Ponce, Puerto Rico, su tierra natal, donde también descansa su esposa, Puchi Lavoe.
A más de tres décadas de su partida, su legado sigue vivo en cada descarga, en cada rincón donde suenan las congas, y en cada corazón salsero que lo canta como si nunca se hubiera ido.
En el corazón de la cumbia colombiana hay un ritmo que no pide permiso para entrar al cuerpo… ¡solo llega y lo pone a gozar! Ese ritmo sabrosón, eléctrico y tropical lo trajo Afrosound, una agrupación que en los años 70 cambió el panorama musical con su inconfundible “chucuchucu”.
Detrás de esta locura tropical estuvo Julio Ernesto Estrada, mejor conocido como Fruko, quien en 1973 decidió tomar lo más sabroso de la música campesina y mezclarlo con guitarras eléctricas, teclados y percusiones cargadas de energía. Así nació Afrosound, una propuesta única que se convirtió en sinónimo de fiesta.
Canciones como “La negra Tomasa”, “Agüita e’ coco” y “La danza de los mirlos” se volvieron clásicos infaltables en las celebraciones. Primero fueron pura instrumental, pero después llegaron voces como Juan Carlos Coronel, Jaime Ley y Mónica Guzmán, que terminaron por redondear el sabor.
Afrosound fue más que un grupo, fue un movimiento que rescató lo colombiano en medio de la influencia extranjera, y que se metió directo en el ADN del baile latino.
Hoy en día, su legado sigue sonando bajo el nombre de “Chucu Sound”, como una forma de mantener viva la esencia de esa música que prendía el salón desde la primera nota.
Porque aquí, en Sabrosita, sabemos que la cumbia no solo se escucha… ¡se siente, se goza y se baila con el alma! 💃🕺
