La electrocumbia es una variante de la cumbia mexicana que surgió a principios de los años 80 y se consolidó en los 90. Este género combina los ritmos y melodías tradicionales de la cumbia con elementos de la música electrónica.
Uno de los pioneros más destacados de la electrocumbia es Raymix, conocido por su éxito “Oye Mujer”. Raymix, un ex ingeniero de la NASA, fusionó sus conocimientos en ingeniería con su pasión por la música, creando un estilo que rápidamente ganó popularidad en México y más allá.
La electrocumbia se caracteriza por el uso de sintetizadores, beats electrónicos y efectos de sonido que se mezclan con instrumentos tradicionales como el acordeón y las percusiones.
La electrocumbia no solo ha revitalizado la cumbia tradicional, sino que también ha influido en otros géneros y ha llevado la música latina a nuevas audiencias, festivales y eventos dedicados a este género se han multiplicado, artistas de diferentes partes del mundo han adoptado y adaptado este estilo.
Además de Raymix, otros artistas como Los Ángeles Azules y Amandititita han contribuido al crecimiento de la electrocumbia. Sus colaboraciones con músicos de diferentes géneros han demostrado la versatilidad y el atractivo universal de esta música.
El 22 de septiembre, el Hollywood Bowl será testigo de una noche de cumbia inolvidable con la presentación estelar del Grupo Cañaveral. Esta icónica agrupación mexicana regresa al famoso anfiteatro tras su show en 2017.
La cumbia, ahora, es el ritmo detrás de algunas de las canciones más populares del planeta, ha conquistado corazones en todo el mundo. Grupo Cañaveral, fundado por el Sr. Humberto Pabén Olivares y su hijo Emir Pabén, ha reinventado la cumbia, colaborando con artistas de otros géneros y transformando éxitos en contagiosas cumbias. Canciones como: “Tiene espinas el rosal”, “No te voy a perdonar”, “No mientas más”, “Hasta el cielo lloro”, “Echarme al olvido”, entre otras, han sido reconocidos con múltiples discos Diamante, Oro y Platino.
“El Cumbión” en el #1 Su más reciente sencillo, en colaboración con Joey Montana, se posiciona en el primer lugar en México. El video oficial, grabado en Guatemala, muestra la fusión de talento y ritmo que caracteriza al Grupo Cañaveral. ¡No te pierdas esta noche de cumbia en el Hollywood Bowl!
En un reciente video que se ha vuelto viral, un grupo de personas demostró que la música de Grupo Niche tiene el poder de unir y hacer bailar a todos, incluso en las condiciones más extremas. En lo alto de una montaña nevada, un DJ @elmagomartin85 armó una fiesta con su coche equipado de bocinas y luces.
Sin importar el frío ni la altura, los asistentes bailaron, con chamarras y gorros, otros con solo una playera.
Subi y solo voy a esperar los comentarios despies respondo el contexto del video SALUDO AL ESTADO MIRANDA EN ESPECIAL VALLE DEL TUY – GUARENAS / GUATIRE
Como dijo uno de los comentarios en redes sociales: “Cada quién es feliz a su manera, pero Niche es Niche”. ¡La magia de Grupo Niche llega a todas partes, incluso a las alturas!
El Museo de Celso Piña, ubicado en la antigua casa de los hermanos Piña Arvizu en la colonia La Campana en Monterrey, es un recinto dedicado a la vida y legado del famoso “Cacique de la Campana”. En sus paredes, encontrarás vestimentas del artista, premios, vinilos, instrumentos musicales y murales que representan su carrera.
Celso Piña, nacido el 6 de abril de 1953, se convirtió en una leyenda de la música. A cuatro años de su lamentable pérdida, sigue inspirando a los jóvenes a interesarse en la música y, especialmente, en el acordeón.
El museo también ofrece talleres gratuitos de piano, guitarra, acordeón, danza y pintura, impartidos por maestros del Tecnológico de Monterrey. Además, se planea ampliar el inmueble para exhibir más premios y construir nuevos salones para estudiantes.
Ubicación: Avenida 8 #1517, Cerro de la Campana, Monterrey, Nuevo León.
Horarios: Jueves, viernes y sábado, de 13:00 a 18:00 horas.
Luis Manuel Díaz, conocido como Mané Díaz, cumplió su sueño de cantar vallenato en un emocionante debut durante las festividades en Salamina, Magdalena. Acompañado por Danni Salazar, expresó su gratitud por convertirse en un cantante famoso y alegrar los corazones de los colombianos. Sin duda, su hijo, el talentoso futbolista Luis Díaz, debe estar igualmente orgulloso de este logro musical.
Conocido como El Malo del Bronx, Willie Colón ha sido uno de los grandes productores de la salsa y, durante de las décadas de los 60 y 70, se caracterizó por su trabajo junto a Héctor Lavoe y Rubén Blades, revolucionando el género con ese sonido neoyorquino que lo haría traspasar fronteras.
En 1979, con una carrera ya de renombre en la salsa, Colón publicó su primer álbum como solista, llamado ‘Solo’, que incluye una de sus canciones más icónicas, ‘Sin poderte hablar’.
A ese trabajo le siguió ‘Fantasmas’, de 1981, que consolidó a Willie Colón como uno de los artistas más versátiles, revalidó su maestría para nutrirse de otros géneros y disparó mucho más su carrera con temas que ya son clásicos no solo de la salsa sino de la música mundial. Una de esas canciones es ‘Oh, ¿qué será?’.
“Este álbum fue producto de un viaje de Willie Colón a Brasil, donde se enamora de toda esa riqueza musical de los brasileros”, explicó Jhonny Arredondo, experto en salsa.
‘Oh, ¿qué será?’ es una composición original del cantante y novelista brasileño Chico Buarque, interpretada junto a Milton Nascimento y lanzada en 1976 para la película ‘Doña Flor y sus dos maridos’. La canción tiene tres versiones: ‘Apertura’, ‘A flor de piel’ y ‘A flor de tierra’.
Para su reinterpretación, Willie Colón tomó un fragmento muy especial, también, para la cultura brasileña. Se trata de una frase de la novela ‘La hora de la estrella’, de la escritora y periodista Clarice Lispector.
La frase de Clarice Lispector que Willie Colón usa en ‘Oh, ¿qué será?’
Clarice Lispector murió el 9 de diciembre de 1977. Unos meses antes se publicó ‘La hora de la estrella’, novela que “recoge lo mejor” de la autora, “es de una modernidad sorprendente y es apta para cualquier lector actual”, según comenta el escritor Javier Peña en el podcast ‘Grandes infelices’.
La primera página del libro es una dedicatoria de la autora y tiene las siguientes frases*: “(…) Sé de muchas cosas que no vi. Y ustedes también. No se puede dar una prueba de la existencia de lo que es más verdadero, la cosa es creer. Creer llorando”.
“Esta historia sucede en estado de emergencia y de calamidad pública. Se trata de un libro inacabado porque no tiene respuesta, respuesta que, espero, alguien en el mundo me dará. ¿Ustedes? Es una historia en tecnicolor para tener algún lujo, por Dios, que yo también lo necesito. Amén por todos nosotros”.
Willie Colón tomó esas palabras para la introducción de ‘Oh, ¿qué será?‘ y escribió su propia versión: “Yo creo en muchas cosas que no he visto y ustedes también, lo sé. No se puede negar la existencia de algo palpado por más etéreo que sea. No hace falta exhibir una prueba de decencia de aquello que es tan verdadero. El único gesto es creer o no, algunas veces hasta creer llorando. Se trata de un tema incompleto porque le falta respuesta, respuesta que alguno de ustedes, quizás, le pueda dar. Es un tema en tecnicolor para hacer algo útil del amor. Para todos nosotros, amén”.
¿Y cómo llegó Colón a Clarice? Pues en su viaje tuvo un encuentro con la cantante y poeta Maria Bethânia, hermana del compositor Caetano Veloso, y fue ella quien le recomendó poner las palabras de Lispector en la introducción de la canción, según relata el experto en salsa José Arteaga.
Nicky Jam, figura destacada del género urbano y la música en español, ha sorprendido con su reciente lanzamiento: el sencillo titulado “Insomnio”.
POR: NOEMI ARCINIEGA
Este adelanto forma parte de su sexto álbum de estudio, que llevará el mismo nombre y cuyos detalles se revelarán próximamente. “Insomnio” es un contagioso merengue mambo del desamor. La producción estuvo a cargo de Jorge Milliano, mientras que la composición es obra del propio Nicky Jam. El cantante, de 43 años, reveló que muchas de las canciones del álbum surgieron en la tranquilidad de la noche, pero también reflejan la energía de la fiesta hasta el amanecer.
Este nuevo sencillo, disponible en todas las plataformas digitales, no solo destaca por su emotiva letra, sino también por demostrar la versatilidad artística de Jam.
La icónica agrupación de cumbia, Los Socios del Ritmo, se presentará por primera vez en el Auditorio Metropolitano de Puebla con un show nunca antes visto.
POR: NOEMI ARCINIEGA
Así lo anunciaron en conferencia de prensa el tecladista y líder del grupo Luis Antonio Ruíz, el percusionista Mauricio Gonzáles, y el vocalista Joaquín Salamanca. Durante su visita a la Angelópolis, los músicos señalaron que esta será la primera vez que se presenten en la ciudad en formato auditorio y no en un baile.
Por este motivo, los integrantes de Los Socios del Ritmo, expresaron sentirse nerviosos de pisar por primera vez el Auditorio Metropolitano de Puebla. La cita para este espectáculo será el próximo 15 de febrero del 2025 en punto de las 20:30 horas. La buena noticia es que los boletos ya están a la venta.
La agrupación presentará su show titulado “Llegó la cumbia”. En él, los asistentes disfrutarán de un recorrido por más de 90 discos que representan toda la trayectoria del grupo. Entre las canciones más importantes que no podrán faltar destaca “Vamos a platicar”, melodía que en 1970 los llevó al éxito y que en 2018 apareció en la película “Roma”. Asimismo, los músicos informaron que los temas que sus seguidores podrán corear incluyen “Llorar”, “Amor por internet”, “Felicidad”, “La negra”, “Año viejo”, entre otros.
Recordemos que Los Socios del Ritmo surgieron en 1962 en el estado de Campeche y que, a la fecha, tienen más de 100 producciones discográficas.
Sobresale que esta agrupación tiene colaboraciones con el talento de otros intérpretes o bandas, como Alexander Acha, Rubén Albarrán. Elefante, Bobby Pulido, El mimoso, Matute y Daniel Gutiérrez, quién es el vocalista de La Gusana Ciega.
Precio de los boletos para el concierto en Puebla
Aquellos interesados en asistir deben saber que el grupo presentó este formato, con gran éxito, en escenarios emblemáticos, como el Auditorio Nacional en la Ciudad de México. Incluso, llenaron dicho lugar y están seguros de que Puebla no será la excepción, ya que tuvieron buen recibimiento del público en cada una de sus presentaciones.
Los boletos ya están disponibles a través de SuperBoletos y el precio varía según la zona. Aquí la lista completa:
Zona VIP: Mil 232 pesos VIP: 992 pesos Preferente Izquierda y Derecha: 874 pesos Luneta Central: 728 pesos Zona discapacitados, Luneta Izquierda y Luneta Derecha: 672 pesos Balcón Inferior: 392 pesos Balcón Superior: 336 pesos
En un rincón de Buenos Aires, allá por 1927, el talentoso compositor argentino Ángel Cabral se inspiró en las noches de tango y melancolía para dar vida a una canción que tocaría los corazones de generaciones futuras, Junto a su compatriota Enrique Dizeo, creó “Que Nadie Sepa Mi Sufrir”.
La melodía, originalmente interpretada en vals peruano, llevaba consigo la tristeza de un amor no correspondido. La letra, como un suspiro en la penumbra, narraba el dolor y la desilusión de un protagonista que ocultaba su sufrimiento tras una sonrisa.
La Foule · Edith Piaf 1957
Pero la historia no termina ahí. En 1953, la icónica Édith Piaf, la “Pájara de París”, cruzó el Atlántico y llegó a Buenos Aires. Allí, durante su gira latinoamericana, escuchó la interpretación apasionada de Alberto Castillo, la canción la conmovió profundamente.
Piaf, siempre inquieta y creativa, decidió tomar la canción y transformarla. Cambió la letra, le dio un nuevo título: “La Foule” (que significa “La multitud” en francés”), la llevó a los escenarios europeos. La versión de Piaf se convirtió en un éxito arrollador desde su lanzamiento en 1957.
Pero aquí viene el giro sorprendente: décadas después, la salsa y cumbia se apoderó de esta joya musical.
Artistas como La Sonora Dinamita y Margarita la Diosa de la Cumbia la adoptaron y la hicieron suya. El ritmo caliente de la salsa le dieron una nueva vida a “Que Nadie Sepa Mi Sufrir”, las pistas de baile aún al son de esta canción, y la multitud se entrega al amor y al desamor.
A lo largo de los años, “Que Nadie Sepa Mi Sufrir” ha viajado por el mundo, cruzando fronteras y emociones. Ha sido versionada por artistas de diferentes géneros, desde Julio Iglesias hasta Soledad Pastorutti y Lila Downs.
Así que la próxima vez que escuches esta canción, piensa en todos los corazones que laten detrás de cada nota, al final, todos compartimos el mismo sufrir, la misma pasión, y la misma esperanza de que alguien, en algún rincón del mundo, entienda nuestro dolor sin que nadie más lo sepa.
Fue el director y fundador de la orquesta Típica 73 y trabajó con Tito Puente y Ray Barreto
El director y fundador de la orquesta Típica 73, el percusionista Johnny “Dandy” Rodríguez falleció hoy, sábado, confirmó el cantante Gilberto Santa Rosa en sus redes sociales al dedicarle una publicación al maestro musical.
Se desconoce la causa de su muerte.
El legado de Rodríguez con la orquesta Típica 73 se desarrolló desde la década de 1970 cuando se atrevió a conglomerar al timbalero Orestes Vilató, el bajista Dave Pérez, el trompetista René López y al vocalista Adalberto Santiago, entre otros, para crear unas fusiones y descargas que le dieron identidad musical a la agrupación que se distingue por sus combinaciones de charanga y salsa. Fue desde el inicio una orquesta de descargas musicales que ganaron de inmediato aficionados del género salsero.
El nombre “Típica” fue otorgado en referencia al formato de charanga con violín y flauta. La primera producción de la orquesta fue gracias al afamado sello Fania Records.
La Típica 73 en su primera presentación. Desde la izquierda, Sonny Bravo, Dave Pérez, Orestes Vilató, abrazando a Adalberto Santiago; entre ellos, Joe Manazzi. A la derecha de Santiago, René López, Johnny “Dandy” Rodríguez y Leopoldo Pineda. (Suministrada)
El músico “Dandy” Rodríguez nació en Nueva York, hijo del músico boricua Johnny Rodríguez padre, quien trabajó con Tito Puente y Tito Rodríguez en la Gran Manzana. Creció en una familia musical y sus estudios fueron dedicados a la percusión en Nueva York. Con modelos a emular como el fenecido Tito Puente su inclinación y su formación musical le permitió grabar con el llamado “Rey del Mambo”. Su primera grabación profesionalmente fue “Excitante Ritmo De Tito Puente”.
Mientras que para el fenecido músico Ray Barreto trabajó por más de dos décadas.
En un principio estuvo al lado del llamado “Rey del timbal” desde el año 1962 hasta 1972. Luego se separa y forma el conjunto Típica 73 y posteriormente se reintegró nuevamente a la banda de Tito Puente en el 1979 y comenzó a trabajar de forma independiente con varios músicos y maestros, entre ellos Barreto.
Se desempeñó con los Gigantes Latinos del Jazz y que incluye a las estrellas de la orquesta original de Tito Puente.
En el 2008, Rodríguez le confió al Departamento de Investigación y Desarrollo de LP el diseño de los bongos John “Dandy” Rodríguez Jr. de la serie Legends.
En los últimos años, Rodríguez se desempeñaba de forma independiente colaborando en diversos proyectos musicales.
El año pasado, en la edición 39 del Día Nacional de la Zalsa la orquesta Típica fue homenajeada por su 50 aniversario.
La presentacion de Típica 73 con Adalberto Santiago cantando junto a Jhonny Dandy Rodríguez. (José Rodríguez)
