“Salsa y Control”: La historia del éxito de los Lebron Brothers que la industria no pudo detener

Hay canciones que nacen con estrella, temas que, sin importar los obstáculos, se abren paso hasta convertirse en himnos que marcan a generaciones enteras. Ese es el caso de “Salsa y Control”, el éxito monumental de los Lebron Brothers que, a pesar de tener todo en contra, se convirtió en una de las canciones más importantes en la historia de la salsa.

La historia detrás de este álbum es un testimonio de talento, perseverancia y del poder que tiene la música cuando conecta de verdad con el corazón del bailador, incluso cuando la propia industria le da la espalda.

Los Lebron Brothers: Un sonido familiar con sabor a Brooklyn

Para entender esta historia, primero hay que conocer a sus protagonistas. Los Lebron Brothers eran cinco hermanos de ascendencia puertorriqueña, originarios de Aguadilla, que crecieron en el vibrante ambiente de Brooklyn, Nueva York. Esta mezcla de raíces caribeñas y la influencia del soul y R&B estadounidense creó un sonido único, una fusión que los distinguía de otras orquestas de la época.

Su música tenía un toque orgánico, casi casero, que conectaba directamente con el barrio. No era la salsa más técnica o virtuosa, pero tenía un “feeling” y un sabor callejero que la hacían irresistible en la pista de baile.

El disco que lo cambió todo

El 31 de diciembre de 1969, prácticamente en la víspera de una nueva década, los Lebron Brothers lanzaron el álbum “Salsa y Control” bajo el sello Cotique Records. Lo que no sabían era que este disco, grabado con la energía que los caracterizaba, contendría la canción que definiría su carrera y que, paradójicamente, se convertiría en su mayor éxito justo cuando su suerte en la industria estaba a punto de cambiar drásticamente.

El álbum fue un éxito, y la canción que le da título se convirtió en un verdadero “palo” en la radio, sonando en todas las fiestas y consolidando a los hermanos como una fuerza a tener en cuenta en la escena salsera de Nueva York.

La venta a Fania y el comienzo de los problemas

Poco después de este triunfo, entre 1970 y 1971, el dueño de Cotique Records, George Goldner, decidió vender su sello discográfico a un gigante que estaba naciendo: Fania Records, la compañía de Jerry Masucci. Con esta negociación, todo el catálogo de Cotique, incluyendo a los Lebron Brothers, pasó a ser propiedad de Fania.

Aquí comenzó el problema. Según se cuenta, a Jerry Masucci no le gustaba el estilo de los Lebron Brothers. Su sonido no encajaba del todo con la línea musical que Fania quería promover. Como resultado, a pesar de tener en sus manos a los creadores de un éxito masivo como “Salsa y Control”, la nueva disquera prácticamente los hizo a un lado.

La promoción fue mínima, su imagen no fue impulsada y rara vez se les veía participando en los grandes eventos o conciertos de las Estrellas de Fania, que era la máxima plataforma de la época. Artistas como Johnny Pacheco o Larry Harlow colaboraron en algunas de sus producciones posteriores, pero la orquesta nunca recibió el respaldo que merecía.

Un ejército de seguidores que los hizo inmortales

A pesar del frío trato de la industria, ocurrió un fenómeno increíble. La música de los Lebron Brothers, y en especial “Salsa y Control”, tenía algo que ninguna campaña de marketing podía comprar: una conexión genuina con la gente.

Mientras la Fania los ignoraba, la canción se convirtió en un himno en lugares específicos donde su sonido crudo y sentimental caló hondo. Ciudades como Cali y Buenaventura en Colombia, o Lima en Perú, adoptaron a los Lebron Brothers como propios. Su música se convirtió en la banda sonora de barrios enteros, creando un “ejército” de seguidores leales que los ha mantenido vigentes hasta el día de hoy.

La historia de “Salsa y Control” es la prueba de que el verdadero éxito no siempre se mide en virtuosismo técnico o en grandes presupuestos de promoción. A veces, el sabor, el sentimiento y la autenticidad son más poderosos. Los Lebron Brothers, con todo en contra, lograron crear una canción inmortal que, más de 50 años después, sigue poniendo a todo el mundo a bailar.

“Determination”: El disco con el que Papo Lucca reinventó a La Sonora Ponceña

Hay portadas de discos que se quedan grabadas en la memoria, y la del álbum “Determination” de La Sonora Ponceña es una de ellas. Ese caballero con armadura montado a caballo, rompiendo la bandera de Puerto Rico, no era solo una imagen llamativa; era una declaración de principios. Lanzado en 1982, este disco marcó un antes y un después para “La Más Sureña”, consolidando el genio musical de Papo Lucca y llevando el sonido de la orquesta a un nuevo nivel de sofisticación.

Para muchos salseros, este álbum es una joya que demuestra por qué La Sonora Ponceña es una de las agrupaciones más respetadas de la historia.

Un cambio de guardia: Papo Lucca asume el control creativo

En 1982, La Sonora Ponceña ya era una institución. Con casi 20 discos en su haber, la orquesta fundada por Don Quique Lucca tenía un sonido callejero, recio y muy popular. Sin embargo, para su nueva producción, el hijo de Don Quique, el virtuoso pianista Enrique “Papo” Lucca, asumió por completo la batuta creativa.

El resultado fue “Determination” (Determinación), un álbum donde Papo Lucca decidió refinar el sonido de la orquesta. Dejó atrás el sonido más rudo de sus inicios para explorar arreglos más complejos y arriesgados, fusionando la salsa con matices de jazz, bossa nova e influencias de la música cubana más vanguardista, como el songo de Los Van Van.

Un viaje musical a través de canciones inolvidables

El álbum es una muestra de la versatilidad y la riqueza musical que Papo Lucca quería imprimir. La producción abre con “Yambeque”, un canto afrocubano dedicado a los Orishas y al panteón yoruba. Esta canción, compuesta por Eduardo Angulo y grabada por primera vez en 1953 por Senén Suárez, fue transformada por la Ponceña en una poderosa descarga de salsa con raíces profundas.

Otro de los temas emblemáticos es “Date Cuenta”, una pieza que se hizo famosa por el increíble solo de congas de Vicente “Little Johnny” Rivero. En la canción, el coro le pide al percusionista “dime tu nombre en el cuero”, y él responde con un derroche de talento que se convirtió en un momento icónico en los conciertos de la orquesta.

El disco también incluye “Soledad”, una versión del tema “La soledad es mala consejera” del músico cubano Adalberto Álvarez. Aunque le cambiaron el nombre, la Ponceña conservó el alma de la canción, interpretada por el trío vocal de la época: Miguelito Ortiz, Toñito Ledée y la gran Yolandita Rivera, quien se despedía de la orquesta con este álbum.

Experimentación y virtuosismo en cada nota

Lo que hace a “Determination” un disco tan especial es su audacia. Papo Lucca no tuvo miedo de experimentar. En la canción “Herida Cerrada en Falso”, escrita por Toñito Ledée, se pueden escuchar armonías que coquetean con el jazz. En “Aunque te quiero”, se perciben influencias del songo cubano, creando una base rítmica perfecta para cantarle al desamor.

Incluso se atrevieron a versionar un estándar de jazz. El tema “Joldu” es en realidad una adaptación de “Jordu”, una composición del pianista Duke Jordan, que la Ponceña rebautizó y llevó a su terreno sin dar los créditos correspondientes, una práctica común en la época.

Este álbum no fue quizás el más vendido de su carrera, pero sí uno de los más influyentes y respetados por los músicos. Con “Determination”, Papo Lucca demostró que la Sonora Ponceña no era solo una orquesta para el bailador, sino también un laboratorio musical de alta calidad. Fue la confirmación de que había Ponceña para rato, con un sonido renovado y la determinación de seguir haciendo historia.

“Cantando”: El disco de Cheo Feliciano que fue un éxito musical y un escándalo legal

Para los amantes de la salsa, el nombre de Cheo Feliciano es sinónimo de sentimiento, voz y leyenda. A lo largo de su carrera, nos regaló joyas musicales que se quedaron para siempre en el corazón del bailador. Una de esas producciones es el álbum “Cantando” de 1991, un disco que no solo marcó una etapa en su trayectoria, sino que también esconde una historia de controversia que sacudió a la industria musical.

Este álbum, que muchos recuerdan por el inolvidable dueto con Gilberto Santa Rosa, fue un éxito rotundo, pero también el origen de un conflicto por derechos de autor que involucró a grandes figuras de la salsa.

El renacer de un gigante: La cuarta etapa de Cheo Feliciano

Para entender la importancia de “Cantando”, hay que mirar la carrera de Cheo por etapas. Su primera época de gloria fue con el Joe Cuba Sextet. La segunda, su consolidación como solista bajo el sello Fania Records. La tercera fue un período más personal con su propio sello, Coche Records.

La cuarta etapa, a principios de los 90, significó su llegada a RMM Records, el influyente sello de Ralph Mercado. Fue aquí donde Cheo encontró un nuevo impulso, lanzando dos producciones memorables: “Los Feelings de Cheo” y, por supuesto, “Cantando”. Este último se convirtió en una pieza clave de la salsa de esa década.

Un disco lleno de estrellas y calidad musical

Lanzado en 1991, “Cantando” fue un proyecto de altísimo nivel. La producción estuvo a cargo del experimentado músico y arreglista Charlie Donato, quien reunió a una verdadera selección de estrellas. En la grabación participaron músicos de la talla de Papo Lucca en el piano, Tommy Villariny, Isidro Infante y Humberto Ramírez en los arreglos, y muchos otros talentos que garantizaron un sonido impecable.

El álbum demostró que la buena música está por encima de las etiquetas. En una época donde se debatía entre la “salsa romántica” y la “salsa dura”, Cheo Feliciano entregó un disco con letras de amor y sentimiento, pero con la fuerza y la calidad musical que siempre lo caracterizaron. Canciones como “Solo soy un hombre enamorado” y “Para darte fuego” se convirtieron rápidamente en favoritas del público.

“Yo Soy”: El dúo icónico y el origen de la polémica

La joya del álbum es, sin duda, la canción “Yo Soy”, una colaboración histórica que unió la voz experimentada de Cheo Feliciano con la de un joven y ya exitoso Gilberto Santa Rosa. El tema fue un éxito inmediato, un encuentro de dos generaciones que celebraban la esencia del sonero.

Sin embargo, aquí es donde comienza la controversia. La canción fue escrita por el cantautor puertorriqueño Glenn Monroig, quien la había grabado originalmente en 1982 para su álbum “Tropical”. Para la versión de Cheo y Gilberto, se realizó un nuevo arreglo que la convirtió en un clásico de la salsa. El problema surgió poco después.

La demanda que marcó el fin de una era para RMM

Aunque en los créditos del disco “Cantando” se menciona a Glenn Monroig como el compositor de “Yo Soy”, el cantautor inició una demanda legal contra Ralph Mercado y su disquera, RMM Records. Monroig alegó que nunca recibió el pago correspondiente por los derechos de autor de su canción, a pesar del enorme éxito que estaba generando la nueva versión.

Este conflicto legal se convirtió en un caso muy sonado en la industria. Ralph Mercado, una de las figuras más poderosas de la salsa en ese momento, enfrentó un proceso que, según reportes de la época, tuvo consecuencias significativas para su compañía. De hecho, muchos señalan esta demanda como uno de los factores que contribuyeron al posterior declive del sello RMM. La controversia dejó una mancha en un proyecto musicalmente brillante y expuso las complejas relaciones que a veces existen entre los artistas y las disqueras.

A pesar de todo, “Cantando” se mantiene como un álbum fundamental en la discografía de Cheo Feliciano. Es el testimonio de su vigencia, un disco que demostró que la calidad no tiene fecha de caducidad y una lección sobre la importancia de respetar la creatividad y los derechos de quienes hacen la música que tanto disfrutamos.

Marc Anthony lleva la salsa al encendido del árbol de Navidad del Rockefeller Center

El cantante de origen puertorriqueño fue uno de los artistas estelares en la tradicional ceremonia que da inicio a la temporada navideña en Nueva York, interpretando sus éxitos ante miles de personas.

La noche del 3 de diciembre, la ciudad de Nueva York dio la bienvenida oficial a la temporada navideña con el encendido del icónico árbol del Rockefeller Center. En una ceremonia llena de música y celebridades, el cantante Marc Anthony se destacó al llevar el ritmo de la salsa al escenario, contagiando de energía a las miles de personas reunidas para presenciar el evento.

La participación del artista era una de las más esperadas de la noche. Acompañado de su orquesta, Marc Anthony subió al escenario para interpretar una versión con arreglos de salsa del clásico villancico “Feliz Navidad” de José Feliciano. Su actuación puso a bailar a los asistentes, quienes se congregaron desde tempranas horas en la Quinta Avenida para ser parte de esta celebración.

Además del tema navideño, el cantante interpretó su éxito “Vivir mi Vida”, un himno a la alegría que resonó en el corazón de la Gran Manzana y fue coreado por el público presente. Su presentación fue parte del especial televisivo “Christmas in Rockefeller Center”, transmitido a nivel nacional por la cadena NBC.

Una noche llena de estrellas para dar la bienvenida a la Navidad

El evento, que se ha realizado por más de 90 años, contó con un elenco de reconocidos artistas de diversos géneros musicales. La conducción estuvo a cargo de la cantante de música country Reba McEntire.

Junto a Marc Anthony, el escenario vio pasar a figuras como Michael Bublé, Gwen Stefani, Halle Bailey, New Edition y las tradicionales Radio City Rockettes, quienes este año celebran su centenario. Cada uno de los artistas aportó su propio estilo a la velada, creando una atmósfera festiva para las familias y visitantes que se dieron cita en el lugar.

El momento culminante de la noche llegó cerca de las 10 de la noche, cuando se iluminaron las más de 50,000 luces LED multicolores que adornan el majestuoso abeto noruego de este año. El árbol, que mide 75 pies de altura (aproximadamente 23 metros), está coronado por una estrella de Swarovski de 900 libras compuesta por 3 millones de cristales.

Una tradición con causa social

El árbol de Navidad del Rockefeller Center no solo es un símbolo de la temporada, sino que también forma parte de una iniciativa con propósito social. Como cada año, el árbol fue donado por una familia, en esta ocasión procedente de East Greenbush, Nueva York.

Una vez que finalice la temporada navideña, a mediados de enero de 2026, el árbol será retirado y su madera será donada a la organización sin fines de lucro Habitat for Humanity.[ Esta organización utilizará la madera para la construcción de viviendas destinadas a familias de bajos recursos, continuando así un legado de generosidad que va más allá de las luces y la celebración.

El árbol permanecerá encendido diariamente para que tanto los neoyorquinos como los turistas puedan disfrutar de su esplendor durante toda la temporada festiva, consolidándose como una de las atracciones más importantes de la ciudad durante el invierno.

Rosalía regresa a México: Anuncia dos conciertos en el Palacio de los Deportes para 2026

La cantante española Rosalía volverá a los escenarios de la Ciudad de México con su nueva gira mundial, “LUX TOUR 2026”. La promotora de eventos OCESA confirmó que la artista se presentará los días 24 y 26 de agosto de 2026 en el Palacio de los Deportes, uno de los recintos más importantes de la capital del país.

Este anuncio marca el regreso de la intérprete a México después de su presentación en el Zócalo de la Ciudad de México en abril de 2023, que formó parte del cierre de su exitosa gira “Motomami World Tour”. Ahora, con un nuevo espectáculo y nueva música, busca reencontrarse con su público mexicano.

¿Qué es el LUX Tour 2026?

El “LUX TOUR 2026” es la gira internacional con la que Rosalía presentará su más reciente álbum, titulado “Lux”. Este nuevo disco ha sido descrito como una evolución en su sonido, explorando nuevos conceptos y colaboraciones. Según información de medios internacionales, el álbum fue grabado con la Orquesta Sinfónica de Londres y cuenta con la participación de artistas como Björk.

La gira no solo contempla a México, sino que recorrerá 17 países con 42 conciertos programados en Europa, Estados Unidos, Canadá y América Latina. Además de las fechas en la Ciudad de México, Rosalía también se presentará en Guadalajara el 15 de agosto y en Monterrey el 19 de agosto de 2026.

¿Cuándo y cómo comprar los boletos para ver a Rosalía?

La venta de boletos para los conciertos en el Palacio de los Deportes se realizará a través del sistema Ticketmaster. Para que los seguidores puedan asegurar su lugar, se han establecido diferentes fases de venta.

La primera oportunidad será una Venta para Fans, que se llevará a cabo el martes 9 de diciembre a partir de las 9:00 a.m. Para acceder a esta venta, es necesario un registro previo en el sitio web oficial de la cantante.

Posteriormente, se realizará la Preventa para tarjetahabientes de Banamex, programada para el miércoles 10 de diciembre a las 11:00 a.m. Finalmente, la Venta General para todo el público comenzará el jueves 11 de diciembre a las 11:00 a.m., donde se aceptarán tarjetas de crédito y débito de diferentes bancos.

Hasta el momento, ni OCESA ni Ticketmaster han dado a conocer los precios oficiales de los boletos para las presentaciones en la Ciudad de México. Se espera que esta información sea revelada en los próximos días, conforme se acerquen las fechas de venta.

El impacto de Rosalía en México

La relación de Rosalía con el público mexicano ha crecido con cada visita. Desde sus primeras presentaciones en festivales hasta el concierto masivo en el Zócalo, la artista ha consolidado una base de seguidores leales en el país. Su música, que combina elementos del flamenco con ritmos urbanos y pop, ha encontrado un lugar especial en el gusto de la gente.

Su anterior gira, “Motomami World Tour”, fue reconocida por su innovadora puesta en escena, que incluía complejas coreografías y un gran despliegue visual, elementos que se espera estén presentes y evolucionen en el “LUX TOUR 2026”. Con este regreso, la expectativa es alta entre quienes desean volver a verla en vivo y quienes tendrán la primera oportunidad de disfrutar de su espectáculo.

El alcohol: ese amigo traicionero que te hace hablar de más

No te conviertas en el valiente del karaoke

Todos tenemos a ese compañero que después de dos copas se siente Luis Miguel y se adueña del micrófono. El problema no es que cante, sino que entre canción y canción le da por soltar “verdades”. Desde confesarle su amor a la chica de contabilidad hasta decirle al jefe que su idea del nuevo reporte es “poco práctica”.

Recuerda, el alcohol desinhibe, pero la memoria de tus compañeros y las cámaras de los celulares son para siempre. Evita ser el protagonista del video viral del lunes por la mañana. Mídele el agua a los camotes y alterna el trago con un vasito de agua o un refresco para no perder el piso.

Pedir aumento o reclamar: la peor idea de la noche

La música está a todo volumen, el jefe ya se quitó el saco y hasta está bailando la de “No rompas más”. En tu mente, nublada por el ponche, parece el momento perfecto para acercarte y decirle: “Jefecito, ahora sí, hablemos de ese aumento”. ¡Error!

La fiesta es para convivir, no para negociar. Lo más seguro es que al día siguiente el jefe no se acuerde de nada o, peor aún, que sí se acuerde y te vea como el inoportuno de la noche. Los temas de trabajo, aumentos, quejas y proyectos se quedan en la oficina.

El outfit: ni para la iglesia, ni para el antro de moda

El código de vestimenta no es una sugerencia, es la ley.

Aunque el ambiente sea relajado, sigues estando en un evento de la empresa. Evita los escotes profundos, las faldas demasiado cortas o esa camisa abierta hasta el ombligo que guardas para el fin de semana en Acapulco.

Tampoco te vayas al otro extremo y llegues con el uniforme de la oficina. Busca un equilibrio: arréglate, ponte algo que te haga sentir bien, pero sin perder de vista que sigues siendo un profesional. Piensa en un “viernes casual” pero con más brillo.

Cuidado con los pies: la comodidad es tu mejor aliada

Mujeres, esos tacones de 15 centímetros se ven espectaculares, pero después de dos horas de estar de pie y tres cumbias bien bailadas, tus pies te lo van a reclamar. Si no quieres terminar descalza en la pista de baile (¡un clásico!), elige un calzado más cómodo o lleva unos zapatos bajos de repuesto. Tu dignidad y tus tobillos te lo agradecerán.

La convivencia: de la grilla a las confesiones de amor

El chisme: el platillo que amarga la cena

La posada es el caldo de cultivo perfecto para el chismecito. Con el ambiente relajado, es fácil que las conversaciones se desvíen hacia quién anda con quién, a quién le van a dar el nuevo puesto o por qué el de sistemas siempre come atún.

¡Aguas! No sabes quién está escuchando. La persona de la que hablas podría estar justo detrás de ti sirviéndose más romeritos. Mantén la conversación ligera y positiva. Habla de música, de planes para las vacaciones, de la serie de moda, pero deja la grilla de la oficina para otro momento (o mejor, para nunca).

Declaraciones de amor (o de lo que sea) no solicitadas

El calor de las copas puede hacerte sentir que es el momento ideal para confesarle tus sentimientos a ese compañero o compañera que te gusta desde febrero. Piénsalo dos veces. Una declaración en medio de la fiesta puede terminar en un momento muy incómodo para ambos.

Lo mismo aplica para las amistades. No es el lugar para decirle a tu “amigo del alma” del cubículo de al lado todos sus defectos o para hacerle un drama porque no te invitó a su carne asada. Guarda las conversaciones profundas y personales para un café, no para la pista de baile.

El gran final: saber cuándo retirarse es de sabios

No seas el último en apagar la luz

Hay una regla no escrita: nunca seas el primero en llegar ni el último en irte. Llegar de los últimos puede hacerte perder parte de la convivencia (y de la cena), pero quedarte hasta que corran a los meseros te pone en una posición vulnerable.

Las mejores anécdotas de terror de las posadas suelen ocurrir en las últimas horas, cuando ya solo quedan los más “alegres”. Retírate a una hora decente, cuando la fiesta todavía está en su apogeo. Así dejarás un buen recuerdo y evitarás ser parte del recuento de daños del día siguiente.

El “after”: piénsalo dos veces

Es común que un grupo de valientes decida seguir la fiesta en otro lado. Antes de unirte al “after”, evalúa la situación. ¿Vas con gente de confianza? ¿Realmente tienes ganas de seguir o solo te estás dejando llevar?

Recuerda que, aunque ya no sea el evento oficial, sigues estando con gente de tu trabajo. Cualquier cosa que pase en el “after” también puede llegar a oídos de todos en la oficina. A veces, la mejor decisión es tomar un taxi directo a casa y soñar con el aguinaldo.

La posada del trabajo es una gran oportunidad para conocer mejor a tus compañeros y relajarte, pero siempre con un ojo al gato y otro al garabato. ¡Disfruta, baila, come rico y, sobre todo, cuida tu reputación para que en enero sigas teniendo chamba!

Calendario de Adviento: La historia de la dulce tradición que nos ayuda a contar los días para Navidad

Para muchos, el inicio de diciembre trae consigo un pequeño ritual lleno de emoción: abrir la primera ventanita de un calendario de cartón para descubrir un chocolate. Es una costumbre que nos recuerda nuestra infancia y que ahora compartimos con nuestros hijos, sobrinos o nietos. Pero, ¿alguna vez te has preguntado de dónde viene esta tradición?

Lejos de ser un invento moderno de las grandes marcas de dulces, el calendario de Adviento tiene una historia de más de un siglo, nacida en el corazón de los hogares alemanes como una forma ingeniosa y familiar de manejar la impaciencia de los más pequeños por la llegada de la Navidad.

¿Qué es exactamente un Calendario de Adviento?

En su forma más conocida, un calendario de Adviento es una cuenta regresiva del 1 al 24 de diciembre. Se presenta como una caja o cartón con 24 pequeñas puertas o ventanas selladas. Cada día, se abre la ventana correspondiente para revelar una imagen, un pequeño regalo o, más comúnmente, un chocolate.

Aunque los de chocolates son los más populares, hoy en día existen calendarios de Adviento de casi cualquier cosa que te puedas imaginar: juguetes, productos de belleza, tés, quesos e incluso cervezas. Sin embargo, todos comparten el mismo propósito: crear un momento diario de sorpresa y anticipación durante la temporada navideña.

El Origen Familiar: Una Tradición Alemana para Contar los Días

La historia del calendario de Adviento comienza en Alemania a mediados del siglo XIX, en el seno de las familias protestantes luteranas. Los padres buscaban una manera de hacer más comprensible y manejable para sus hijos la espera hasta el día de Navidad.

Las primeras formas de estos calendarios eran muy sencillas y caseras. Algunas familias simplemente pintaban 24 rayas con gis en la puerta y los niños borraban una cada día. Otras encendían una nueva vela cada noche o colgaban en la pared un pequeño cuadro religioso diariamente. El objetivo era el mismo: marcar el paso del tiempo y preparar espiritualmente a la familia para la celebración del nacimiento de Jesús.

De un Dulce Recuerdo a una Idea Millonaria

La transición del calendario casero al producto comercial que conocemos hoy se la debemos a un hombre llamado Gerhard Lang. Cuando era niño en la década de 1880, su madre, para calmar su ansiedad por la llegada de la Navidad, le preparó un calendario muy especial: pegó 24 pequeños dulces (llamados Wibele) en un cartón y le permitía comer uno cada día de diciembre.

Este dulce recuerdo de infancia inspiró a Lang. En 1908, ya como socio de una imprenta, produjo el primer calendario de Adviento impreso. Este primer modelo no tenía ventanitas, sino que consistía en dos láminas de cartón: una con 24 pequeños poemas y otra con 24 ilustraciones a color. Los niños recortaban una ilustración cada día y la pegaban sobre el poema correspondiente. Años más tarde, Lang perfeccionó su invento y lanzó el primer calendario con las pequeñas puertas que se abren, el formato que se popularizó en todo el mundo.

La tradición de incluir chocolates se volvió masiva después de la Segunda Guerra Mundial, cuando el dulce, que había sido un lujo durante el conflicto, volvió a estar disponible para todos. Esto ayudó a que la costumbre se extendiera rápidamente por Europa y Estados Unidos, convirtiéndose en un fenómeno global.

¿Y qué tiene que ver con el “Adviento” de la Iglesia?

El nombre de la tradición proviene del periodo litúrgico conocido como Adviento, que en latín (adventus) significa “venida” o “llegada”. Para la Iglesia Cristiana, el Adviento es un tiempo de preparación espiritual para la Navidad que dura aproximadamente cuatro semanas.

Sin embargo, el Adviento litúrgico no siempre empieza el 1 de diciembre. Comienza el cuarto domingo antes del 25 de diciembre, por lo que su duración puede variar entre 22 y 28 días. El calendario de 24 días es una versión simplificada y comercial que estandarizó la cuenta regresiva para hacerla más sencilla y predecible para todos.

Así que la próxima vez que abras una de esas ventanitas, recordarás que no solo estás a punto de disfrutar un chocolate, sino que estás participando en una hermosa tradición familiar con más de 100 años de historia, nacida del ingenio de una madre para llenar de magia la espera de la Navidad.