El tomate: La historia de cómo pasó de ser “venenoso” a un ingrediente esencial

Durante el siglo XVII, el consumo de tomate en Europa enfrentó una barrera cultural y médica debido a la creencia de que este fruto era venenoso. Esta percepción se originó por dos factores principales: su clasificación botánica y la interacción química con los utensilios de la época.

El tomate pertenece a la familia de las solanáceas, un grupo de plantas que incluye especies con altos niveles de alcaloides tóxicos, como la belladona. Los botánicos de aquel periodo identificaron similitudes morfológicas entre el tomate y estas plantas peligrosas, lo que generó desconfianza entre la población y los médicos.

A pesar de que el tomate llegó a Europa desde América tras la conquista, su uso inicial fue principalmente ornamental. Las personas cultivaban la planta en jardines por la estética de sus frutos, pero evitaban su ingesta por temor a sufrir efectos adversos en la salud.

La reacción química entre el tomate y el plomo

La verdadera causa de las enfermedades asociadas al tomate no residía en el fruto, sino en los platos de cerámica y peltre utilizados por las clases altas. Estos utensilios contenían altas concentraciones de plomo en su composición o en sus esmaltes.

El tomate posee una acidez natural que, al entrar en contacto con la superficie de estos platos, provocaba la lixiviación del plomo. Este proceso químico liberaba el metal pesado en el alimento, lo que resultaba en casos graves de saturnismo o envenenamiento por plomo entre los comensales.

Debido a que los síntomas de intoxicación aparecían poco después de consumir el fruto, la sociedad de la época atribuyó la responsabilidad directamente al tomate. Este fenómeno afectó principalmente a la aristocracia, mientras que los sectores con menos recursos, que utilizaban platos de madera, no presentaban estos problemas.

Evolución del consumo de tomate en la dieta europea

El estigma sobre el tomate persistió durante décadas, limitando su integración en la gastronomía europea. No fue sino hasta finales del siglo XVIII y principios del XIX cuando la percepción comenzó a cambiar gracias a la observación de su consumo seguro en otras regiones.

En países como Italia, el tomate comenzó a utilizarse en salsas y preparaciones populares, demostrando su inocuidad cuando se procesaba adecuadamente. La transición hacia utensilios de cocina más seguros, como el acero y cerámicas sin plomo, facilitó la aceptación masiva del producto.

La historia del tomate ilustra cómo los factores externos y la falta de conocimiento químico pueden influir en la adopción de nuevos alimentos. Actualmente, el tomate es uno de los ingredientes fundamentales de la dieta mediterránea y un producto básico en la industria alimentaria global.

El reconocimiento del tomate como alimento seguro

La ciencia moderna ha confirmado que el tomate es una fuente rica en licopeno, vitaminas y minerales. Los estudios botánicos actuales distinguen claramente entre las partes comestibles del fruto y las hojas o tallos de la planta, que sí contienen solanina en pequeñas cantidades.

El fin del mito del “tomate venenoso” permitió el desarrollo de una vasta industria agrícola. Hoy en día, existen miles de variedades de tomates que se distribuyen en mercados de todo el mundo, dejando atrás los temores que marcaron su llegada al continente europeo hace cuatro siglos.

La documentación histórica de este periodo sirve como referencia para entender la evolución de la seguridad alimentaria. El caso del tomate resalta la importancia de analizar el contexto tecnológico y los materiales de contacto con alimentos al evaluar la toxicidad de un producto natural.

La curiosa razón por la que tu teclado no sigue el orden alfabético

¿Por qué el teclado no es alfabético? El origen del sistema QWERTY

La disposición de las letras en los teclados de computadoras y dispositivos móviles no sigue el orden alfabético. Este estándar, conocido como QWERTY, tiene su origen en el siglo XIX con la invención de la máquina de escribir mecánica.

En los primeros prototipos, las teclas estaban organizadas de forma alfabética. Sin embargo, este diseño presentaba un problema técnico cuando los usuarios alcanzaban altas velocidades de escritura. Los martillos mecánicos que imprimían las letras sobre el papel solían atascarse.

El choque de estas piezas ocurría con mayor frecuencia cuando se presionaban letras que se encuentran juntas en el alfabeto pero que también son comunes en el lenguaje cotidiano. Para solucionar este inconveniente, se desarrolló una nueva distribución de caracteres.

El diseño de Christopher Sholes para evitar atascos

En 1873, el inventor Christopher Sholes patentó la disposición QWERTY. El objetivo principal de este diseño era separar las combinaciones de letras más frecuentes en el idioma inglés. Al alejarlas físicamente, se reducía la probabilidad de que los martillos se cruzaran.

Esta configuración obligaba a los mecanógrafos a adoptar un ritmo de escritura que el mecanismo de la época pudiera procesar sin fallas. La empresa Remington adoptó este sistema para sus máquinas de escribir comerciales, lo que facilitó su estandarización en el mercado.

A pesar de que la tecnología evolucionó hacia sistemas electrónicos y digitales, el orden de las letras permaneció inalterado. La transición de las máquinas mecánicas a las computadoras mantuvo el diseño original para evitar que los usuarios tuvieran que reaprender a escribir.

La persistencia del estándar QWERTY en la era digital

En la actualidad, los teclados digitales no poseen martillos ni piezas móviles que puedan atascarse. No obstante, el sistema QWERTY sigue siendo el más utilizado a nivel global. Este fenómeno se conoce en economía y tecnología como dependencia de la trayectoria.

Existen alternativas diseñadas para aumentar la eficiencia y la velocidad, como el teclado Dvorak o el Colemak. Estos sistemas agrupan las letras más usadas en la fila central para minimizar el movimiento de los dedos. Sin embargo, su adopción es minoritaria.

La industria tecnológica mantiene el estándar debido a la infraestructura educativa y el hábito de miles de millones de usuarios. Cambiar la disposición de las letras implicaría un costo de capacitación masivo para las empresas y las instituciones educativas en todo el mundo.

Evolución y variantes del teclado según el idioma

El sistema QWERTY ha sido adaptado para diferentes idiomas y regiones. En países de habla hispana, se incluye la letra “Ñ” y caracteres de acentuación. En otros países europeos existen variantes como el teclado AZERTY en Francia o el QWERTZ en Alemania.

Estas modificaciones responden a la frecuencia de uso de ciertas letras en cada lengua. A pesar de estas variaciones locales, la estructura básica sigue los principios de diseño establecidos hace más de 150 años. La disposición de las teclas es un legado de la ingeniería mecánica.

Hoy en día, el debate sobre la eficiencia del teclado continúa entre especialistas en ergonomía. Mientras que algunos defienden la migración a sistemas más rápidos, la mayoría de los fabricantes de hardware continúan produciendo dispositivos bajo el esquema tradicional de 1873.

Colección de Cassettes, Discos y Viniles

Juan Alberto Gonzáles nos enseña su colección. La colección se divide en tres grandes apartados: vinilos, audiocintas (cassettes) y discos compactos (CDs). El narrador enfatiza que el acervo es 100% música tropical, abarcando géneros como la salsa, la cumbia y el movimiento sonidero.

Un elemento central del video es la muestra de cassettes retro, muchos de ellos relacionados con el Sonido La Changa. Estas cintas incluyen títulos como “Salsa Cumbiando” y “Changa de Oro”, que son piezas clave para entender la cultura popular de los barrios en la Ciudad de México.

El material también incluye una extensa variedad de cumbias peñoneras, ecuatorianas y peruanas. José Alberto destaca la organización de estas piezas en carpetas de audio que contienen listas de canciones impresas y discos con versiones difíciles de encontrar en plataformas digitales.

Los Hijos de la Costa: El documental que rescata la música de Guerrero y Oaxaca

El documental “Los Hijos de la Costa”, dirigido por Bruno Bancalari, presenta un registro de la tradición musical y dancística de la Costa Chica, región que abarca los estados de Guerrero y Oaxaca. La obra funciona como una cartografía que documenta la identidad de las comunidades afromexicanas a través de sus sonidos regionales.

La producción se basa en una investigación iniciada en 2015 por Ángel Céspedes. Durante ocho años, el equipo recorrió diversas localidades para identificar a los músicos que mantienen vigentes géneros como la chilena, la charanga, el merequetengue y la cumbia. El proyecto destaca el papel de la música como herramienta de resistencia y memoria.

Uno de los elementos centrales del filme es el registro de instrumentos autóctonos, como la tigrera. Este objeto sonoro se construye con una semilla, una varilla y cuero, y produce un sonido mediante la fricción con aceite. El documental muestra la ejecución de este y otros instrumentos en su contexto social y festivo.

La investigación de Ángel Céspedes y la identidad regional

Ángel Céspedes explica en el material que el proyecto nació del interés por la manera de tocar y sentir el ritmo en esta zona de México. La investigación incluyó visitas a comunidades, entrevistas con músicos locales y la consulta de fuentes bibliográficas como el libro “Cuajinicuilapa” (referenciado como Quijla), que documenta la vida en la región desde la década de 1940.

El proceso de documentación permitió capturar la esencia de los músicos folcloristas en sus entornos cotidianos. El documental evita las puestas en escena artificiales para enfocarse en los ensayos, celebraciones y sonidos del campo. Esta aproximación busca retratar la dignidad de quienes preservan el legado cultural afromexicano.

La narrativa visual integra los paisajes costeros como parte fundamental de la estructura musical. La dirección de Bruno Bancalari utiliza la fotografía para establecer un vínculo entre el territorio y las expresiones artísticas. La música se presenta no solo como entretenimiento, sino como un elemento de cohesión comunitaria.

Géneros musicales y resistencia cultural en Guerrero y Oaxaca

El repertorio documentado en “Los Hijos de la Costa” incluye piezas que acompañaron a las poblaciones en condiciones de esclavitud. Géneros como el merequetengue y la chilena han evolucionado como formas de catarsis y diversión, permitiendo la construcción de una identidad colectiva que persiste hasta la actualidad.

La película muestra cómo las nuevas generaciones participan en el aprendizaje de estas tradiciones. El registro audiovisual sirve como un archivo para evitar la pérdida de ritmos que son singulares en el panorama musical de México. La Secretaría de Cultura y diversas instituciones han señalado la importancia de estos registros para el patrimonio inmaterial.

El documental ha participado en diversos festivales de cine, obteniendo reconocimientos por su labor de preservación cultural. La obra de Bancalari y Céspedes se suma a los esfuerzos por visibilizar la presencia y las aportaciones de la tercera raíz en la historia y la cultura mexicana contemporánea.

Impacto del proyecto en la preservación del folclor

La difusión de este material permite que el público nacional e internacional conozca la diversidad sonora de la Costa Chica. El uso de la tigrera y otros instrumentos tradicionales resalta la creatividad técnica de los músicos regionales. El proyecto reafirma que la música es un vehículo de identidad y resistencia.

El equipo de producción destaca que el objetivo principal fue llegar a la esencia del personaje músico. Al documentar dónde viven y por qué componen, el filme ofrece una visión humana de la creación artística. El resultado es un testimonio sobre la vigencia de la cultura afromexicana en el sur de México.

Actualmente, el documental se encuentra disponible en plataformas de difusión cultural y circuitos de cine independiente. Su relevancia aumenta en el marco de las políticas de reconocimiento a los pueblos y comunidades afromexicanas en el país, aportando una base documental sólida sobre sus expresiones artísticas.

Diomedes Díaz: La historia detrás de los 40 años de “Sin Medir Distancias”

El legado de Diomedes Díaz, conocido como “El Cacique de La Junta”, suma un nuevo aniversario en la historia del vallenato. Este 26 de mayo se conmemoran 40 años del estreno de la canción “Sin Medir Distancias”, uno de los temas más representativos de su trayectoria musical.

La pieza fue compuesta por el maestro Gustavo Gutiérrez e incluida en el álbum “Brindo con el alma”, publicado originalmente en 1986. En dicha producción, Díaz contó con el acompañamiento del acordeonero Gonzalo “El Cocha” Molina, consolidando un estilo que marcó la década de los ochenta en Colombia.

Además del aniversario del tema, la fecha coincide con el natalicio del intérprete. Diomedes Díaz nació el 26 de mayo de 1957 en el corregimiento de La Junta, ubicado en la región de La Guajira. Su origen campesino y su vinculación temprana con la música definieron su carrera profesional.

Los inicios de El Cacique de La Junta en la música

La formación musical de Díaz comenzó bajo la influencia de su tío, el acordeonero Martín Maestre. Antes de consolidarse como cantante, el artista inició su camino en la industria como compositor. Durante su etapa de estudiante en Valledupar, conoció a figuras relevantes del género.

Uno de los encuentros determinantes ocurrió con Rafael Orozco. El entonces vocalista del Binomio de Oro grabó la canción “Cariñito de mi vida”, de la autoría de Díaz. Fue en esa misma grabación donde Orozco bautizó al joven compositor con el apodo de “El Cacique de La Junta”.

En 1976, Diomedes Díaz realizó su primera grabación como cantante profesional. El álbum se tituló “Herencia Vallenata” y contó con el acordeón de Nafer Durán, quien ese mismo año se coronó como Rey Vallenato. Este trabajo marcó el inicio de su relación con la discográfica CBS, hoy Sony Music.

La trascendencia de Sin Medir Distancias y el álbum Brindo con el alma

El tema “Sin Medir Distancias” se posicionó como un referente del vallenato lírico. La interpretación de Díaz y los arreglos de “El Cocha” Molina permitieron que la canción trascendiera las fronteras regionales. El álbum “Brindo con el alma” recibió certificaciones por sus niveles de ventas en la época.

A lo largo de su carrera, el intérprete colaboró con diversos acordeoneros de renombre. Entre ellos destacan Juancho RoisNicolás “Colacho” MendozaJuancho de la EspriellaIván ZuletaFranco Argüelles y Álvaro López. Cada etapa aportó matices distintos a su discografía oficial.

La figura de Diomedes Díaz se mantiene como un punto de referencia en el folclor colombiano. Sus seguidores, conocidos como la “fanaticada”, realizan homenajes anuales cada 26 de mayo. Las plataformas digitales registran millones de reproducciones de sus éxitos de forma constante.

Impacto cultural y vigencia del vallenato de Diomedes Díaz

La música de Díaz forma parte del patrimonio sonoro de la región Caribe. Sus composiciones e interpretaciones abordan temáticas cotidianas, el amor y las tradiciones de La Guajira. La vigencia de temas como “Sin Medir Distancias” se refleja en las nuevas versiones realizadas por artistas contemporáneos.

El Gobierno de Colombia y diversas instituciones culturales han reconocido la importancia del vallenato como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Diomedes Díaz es citado frecuentemente en estudios sobre la evolución de este género musical y su impacto en la identidad nacional.

La conmemoración de los 40 años de su éxito de 1986 reafirma la permanencia de su obra. A pesar de su fallecimiento en 2013, las cifras de consumo musical indican que su catálogo sigue siendo uno de los más solicitados en el género tropical y vallenato a nivel global.

Gilberto Santa Rosa confirma fecha para el Salsa Fest Veracruz 2026

El cantante puertorriqueño Gilberto Santa Rosa confirmó su asistencia al Salsa Fest Veracruz 2026. A través de un video oficial difundido en redes sociales, el intérprete anunció que se presentará el próximo 13 de junio de 2026 en el evento que se realiza anualmente en la entidad veracruzana.

El anuncio forma parte de la campaña “Veracruz está de moda”, impulsada por el Gobierno del Estado de Veracruz. Santa Rosa, conocido en el ámbito musical como “El Caballero de la Salsa”, invitó al público a asistir a esta edición del festival, el cual se ha consolidado como uno de los encuentros de salsa más relevantes a nivel internacional.

La presentación del artista tendrá lugar en el Salsódromo de Boca del Río, sede oficial del evento. El festival suele reunir a exponentes del género tropical durante varios días de actividades musicales y culturales en la zona conurbada de Veracruz.

Danny Frank anuncia concierto tributo a la salsa en el Teatro de la Ciudad

Danny Frank presenta tributo a Willie Colón y Héctor Lavoe en el Teatro de la Ciudad

El cantante Danny Frank presentará su espectáculo titulado “Cosa Nuestra” en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Este evento consiste en un homenaje musical a las trayectorias de Willie Colón y Héctor Lavoe, figuras de la salsa internacional.

La presentación se llevará a cabo el próximo sábado 11 de julio de 2026 a las 18:00 horas. El recinto se ubica en la calle de Donceles 36, en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Esta función forma parte de la programación de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

El intérprete colombiano integra este concierto dentro del concepto “Con Sabor a México”. El repertorio incluye géneros como la salsa y el bolero, retomando los éxitos que consolidaron la carrera de los integrantes de la Fania All-Stars.

Danny Frank y el concepto musical de Cosa Nuestra

El título del espectáculo, “Cosa Nuestra”, hace referencia a uno de los álbumes de la discografía de Colón y Lavoe. Danny Frank utiliza este nombre para su tributo donde ejecuta arreglos musicales que respetan la estructura de la salsa clásica.

La producción del evento confirmó que los boletos ya se encuentran disponibles para el público. Los interesados pueden adquirir las entradas a través del sistema Ticketmaster o directamente en las taquillas del teatro.

El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris funciona como sede de este evento debido a su infraestructura para conciertos de gran formato. El inmueble es gestionado por la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México.

Detalles sobre el acceso y la venta de boletos

La organización recomienda a los asistentes llegar con anticipación al recinto del Centro Histórico. El inicio del concierto está programado puntualmente a las 18:00 horas. El acceso al teatro se rige por las normas internas de la Secretaría de Cultura.

Danny Frank ha desarrollado su carrera en México, especializándose en la interpretación de ritmos tropicales. Su propuesta para este 11 de julio busca conectar con la audiencia que sigue el legado de la salsa neoyorquina de los años 70.

La publicidad oficial del evento destaca la colaboración entre el artista y las instituciones culturales locales. El logotipo del Gobierno de la Ciudad de México y de la Secretaría de Cultura respaldan la realización de esta fecha única.

Importancia del legado de Willie Colón y Héctor Lavoe

El tributo aborda composiciones que forman parte del patrimonio de la música latina. Willie Colón, como trombonista y productor, y Héctor Lavoe, como vocalista, establecieron un estándar en el género que Danny Frank retoma en este montaje.

El espectáculo “Cosa Nuestra” incluye instrumentos de viento y percusiones en vivo para replicar el sonido de las orquestas originales. La dirección musical del evento supervisa la ejecución de temas emblemáticos del catálogo de la Fania.

Este concierto se suma a la oferta cultural de verano en la capital del país. La ubicación del teatro permite el acceso mediante transporte público y diversas vías de comunicación en el primer cuadro de la ciudad.

La desgarradora canción de Maelo Ruiz que Jerry Rivera y Víctor Manuelle rechazaron por ser “demasiado triste”

“Te extraño demasiado”: La salsa que nació para doler y fue rechazada por dos grandes antes del éxito de Maelo Ruiz

En el mundo de la música tropical, hay temas que están diseñados para encender la pista de baile, mientras que otros cargan con una melancolía tan profunda que traspasan generaciones. Esta es la historia de “Te extraño demasiado”, una obra que pasó del rechazo de grandes figuras al olvido, para terminar convirtiéndose en el himno del desamor interpretado por Maelo Ruiz.

Una despedida que “dolía demasiado”

Todo comenzó cuando el renombrado compositor Omar Alfano escribió una letra que distaba mucho de ser una salsa alegre. Se trataba de “Te extraño demasiado”, una composición concebida como una desgarradora despedida repleta de arrepentimiento.

El primero en tener la oportunidad de darle vida fue Jerry Rivera. Sin embargo, tras escucharla por completo y quedarse unos segundos en silencio, el cantante prefirió dejarla pasar con una contundente frase: “Eso duele demasiado”.

El segundo rechazo: “La gente quiere bailar”

Tiempo después, la maqueta llegó a las manos de otra estrella del género: Víctor Manuelle. Aunque las expectativas del equipo eran altas y confiaban en que la transformaría en un éxito rotundo, el cantante detuvo la pista de inmediato al escuchar el coro. Su argumento fue claro y enfático sobre el propósito de su música: “La gente quiere bailar, no salir destruida”.

Con este segundo rechazo, la canción quedó guardada en el olvido durante años, sepultada entre discos duros y recuerdos sin un destino fijo.

La crudeza y autenticidad de Maelo Ruiz

El destino de la obra cambió por completo cuando llegó a Maelo Ruiz. Se cuenta que el intérprete la escuchó a solas, en la madrugada, y al finalizar dejó helado a su productor con una visión muy particular de cómo debía grabarse:

“No quiero cantarla perfecto. Quiero cantarla roto”.

Esa misma noche, Ruiz entró al estudio para impregnar el tema con una voz sin filtros ni “maquillajes”, transmitiendo el dolor de forma directa y honesta. Curiosamente, tras su lanzamiento inicial, la canción no generó mayor impacto y pasó casi desapercibida por la crítica y el público.

El resurgir digital: De la salsa a la herida colectiva

Años más tarde, las plataformas digitales —particularmente TikTok— se encargaron de hacerle justicia. El tema comenzó a viralizarse como fondo musical en videos de despedidas reales, parejas separadas y personas añorando a seres queridos que jamás volvieron.

Fue así como la frase clave: “Hay personas que se van, pero nunca salen del corazón”, resonó globalmente, transformando una melodía bailable en una herida colectiva. “Te extraño demasiado” demostró que existen canciones que no nacen con el único fin de ser populares, sino para acompañar el dolor cuando ya no queda nada que arreglar.

México 1970: El día que el mundial de fútbol se pintó de color

El 31 de mayo de 1970, el Estadio Azteca de la Ciudad de México fue el escenario de la ceremonia de apertura de la IX Copa Mundial de Fútbol. México se convirtió en el primer país de Norteamérica en organizar este torneo, recibiendo a 16 selecciones nacionales. El evento marcó un hito en la historia de las telecomunicaciones al ser la primera edición transmitida vía satélite y a color para todo el mundo.

Vista general de la ceremonia de inauguración del Mundial México 1970 en el Estadio Azteca con globos y público en las gradas.

El partido inaugural enfrentó a la selección de México contra la Unión Soviética, encuentro que finalizó con un empate 0-0. A pesar de la falta de goles, la jornada es recordada por la introducción de innovaciones tecnológicas y reglamentarias. La visibilidad del torneo a nivel global transformó el impacto comercial del fútbol, consolidando a la Copa del Mundo como el evento deportivo más visto.

La revolución tecnológica de la transmisión satelital a color

La tecnología satelital permitió que millones de espectadores en diversos continentes siguieran las acciones en tiempo real. Aunque muchas familias aún contaban con televisores en blanco y negro, la señal a color mejoró la calidad visual de la competencia. Este avance impulsó la venta de derechos de transmisión y atrajo a patrocinadores internacionales que buscaban exposición en las pantallas globales.

Árbitro y capitanes de México y la Unión Soviética durante el volado inicial del partido inaugural del Mundial 1970.

Para optimizar la visibilidad en las televisiones de la época, la empresa Adidas diseñó el balón oficial Telstar. Este esférico presentaba 32 paneles en blanco y negro, diseño que se convirtió en el estándar icónico del fútbol. La combinación de colores del balón facilitaba que los televidentes distinguieran el movimiento de la pelota en las transmisiones de baja resolución de 1970.

Innovaciones en el reglamento: Tarjetas y sustituciones

El mundial de México 1970 introdujo el uso de las tarjetas amarillas y rojas para estandarizar las sanciones disciplinarias. Antes de esta edición, los árbitros comunicaban las advertencias de manera verbal, lo que generaba confusiones por las barreras del idioma. El sistema de tarjetas, propuesto por el árbitro Ken Aston, permitió una comunicación visual clara para jugadores, entrenadores y el público.

Jugadores de México y la Unión Soviética disputan el balón en el aire durante el partido inaugural del Mundial 1970.

Otra modificación reglamentaria fundamental fue la autorización de las sustituciones de jugadores. Por primera vez en un mundial, cada equipo pudo realizar dos cambios por partido por razones tácticas o de salud. El jugador soviético Anatoliy Puzach pasó a la historia como el primer futbolista en ingresar de cambio en una Copa del Mundo, sustituyendo a Viktor Serebryanikov en el Estadio Azteca.

El legado del “Fair Play” y la gloria de Brasil en México

La competencia de 1970 es reconocida en los archivos de la FIFA por el comportamiento deportivo de los participantes. Durante todo el torneo no se registró ninguna expulsión, estableciendo un récord de “Fair Play” que se mantiene como referencia histórica. La disciplina mostrada por los equipos permitió un juego más fluido y técnico, destacando la calidad de figuras como Pelé, Franz Beckenbauer y Teófilo Cubillas.

Selecciones de México y la Unión Soviética formadas en la cancha del Estadio Azteca para los himnos nacionales en 1970.

El torneo concluyó el 21 de junio con la victoria de Brasil, que obtuvo su tercer título mundial tras vencer a Italia. Al lograr el tricampeonato, la selección brasileña ganó el derecho de conservar permanentemente el Trofeo Jules Rimet. El mundial de México 1970 es considerado por especialistas y aficionados como una de las mejores ediciones de la historia debido al nivel futbolístico y las innovaciones que definieron el fútbol moderno.