La música vallenata identifica en Luis Egurrola a uno de sus compositores más influyentes en la vertiente romántica. Conocido en el gremio artístico como “el traductor del alma romántica del vallenato”, Egurrola consolidó un estilo narrativo que permitió al género alcanzar nuevas audiencias durante la década de los 90.

Una de sus obras más representativas es la canción titulada “En carne propia”. Esta pieza musical aborda la temática del desamor y el intento fallido de dos personas por olvidar relaciones pasadas a través de un nuevo vínculo, una narrativa que resonó profundamente en el público colombiano e internacional.

¿Quién fue Luis Egurrola y cuál es su importancia en el género?

Luis Egurrola nació en San Juan del Cesar, La Guajira, una región fundamental para el desarrollo del folclor vallenato. A diferencia de otros compositores de su época, Egurrola se distinguió por una formación académica en arquitectura, lo que influyó en la estructura métrica y la precisión de sus letras.

Su capacidad para describir sentimientos complejos le valió el reconocimiento de las principales agrupaciones del país. Artistas de la talla del Binomio de Oro de América, Jorge Oñate y Diomedes Díaz integraron composiciones de Egurrola en sus producciones discográficas, asegurando el éxito comercial de sus temas.

La historia de “En carne propia” y el álbum Tiempos de Gloria

La canción “En carne propia” alcanzó la popularidad masiva en 1993. El tema fue incluido en la producción discográfica titulada “Tiempos de Gloria”, interpretada por el cantante Silvio Brito y el acordeonero Osmel Meriño. Este álbum se convirtió en un referente del vallenato lírico de finales del siglo XX.

La letra de la canción describe una situación de vulnerabilidad compartida: “Porque yo quise olvidar con ella y ella quiso olvidar conmigo y ninguno de los dos pudimos olvidar”. Esta frase sintetiza el eje central de la obra, la cual se mantiene vigente en las estaciones de radio especializadas en ritmos tropicales.

El impacto de la lírica de Egurrola en la música colombiana

La obra de Luis Egurrola se caracteriza por evitar el lenguaje coloquial excesivo, apostando por una poética más elaborada. Esta decisión estética permitió que el vallenato fuera percibido como un género con alta carga literaria. Sus canciones suelen presentar una introducción, un desarrollo narrativo y una conclusión emocional clara.

Además de “En carne propia”, Egurrola es autor de éxitos como “Sin saber qué me espera” y “Al final del sendero”. Las instituciones culturales de Colombia han resaltado su labor en la preservación de la identidad regional a través de la composición, otorgándole múltiples reconocimientos en festivales como el de la Leyenda Vallenata.

La intersección entre la música tradicional y el diseño contemporáneo genera nuevas formas de preservar la identidad cultural. Una reciente propuesta de joyería toma como punto de partida las canciones “El Pescador”, interpretada por Totó la Momposina, y “Coroncoro”, de La Niña Emilia, para crear una serie de piezas que rescatan la iconografía del Caribe colombiano.

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Este proyecto de grado utiliza elementos narrativos de la lírica popular para transformarlos en objetos de uso cotidiano. La investigación se centra en la cultura Zenú, uno de los pueblos ancestrales más relevantes de la región caribeña, cuya maestría en la orfebrería es reconocida a nivel internacional.

La influencia de Totó la Momposina y La Niña Emilia en el diseño

La diseñadora seleccionó componentes emblemáticos de las composiciones musicales para estructurar la colección. Del tema “Coroncoro”, se extrae la figura del pez de río, mientras que de “El Pescador” se retoma la imagen del trabajador que depende de su red de pesca. Estas figuras representan la conexión de los habitantes con los cuerpos de agua.

La narrativa de las piezas también integra la historia personal de las cantautoras. En el caso de La Niña Emilia, la canción posee un trasfondo vinculado a la búsqueda de su hijo desaparecido. Esta carga emocional se traduce en un lenguaje visual que busca validar la resiliencia de las comunidades afrodescendientes e indígenas.

Orfebrería Zenú y la técnica de la falsa filigrana

La colección rinde homenaje a la técnica de la falsa filigrana, característica de la orfebrería Zenú. Este método consiste en la creación de redes de metal que simulan tejidos textiles. Los registros históricos del Museo del Oro en Bogotá destacan que los indígenas lograban hilos de oro con grosores de entre 0.2 mm y 0.5 mm.

Durante la época de la colonización, la sofisticación de estas piezas generó desconcierto entre los europeos, quienes carecían de la tecnología para replicar tales niveles de detalle. Muchas de estas obras fueron fundidas para obtener lingotes de oro, lo que otorga a las piezas actuales un valor de recuperación histórica.

Piezas clave de la colección y su base narrativa

La serie de joyería incluye cuatro diseños principales: un broche de ajuste con forma de pez coroncoro, una maxi orejera (earcuff), un anillo de tres piezas y un collar con dije esférico. Cada objeto se fundamenta en una leyenda escrita por la autora, donde un pescador se transforma en pez tras observar a una deidad del río.

El proceso de creación integró el modelado manual y el estudio de la moneda antigua de mil pesos colombianos, la cual portaba diseños de orejeras Zenú. La viabilidad y la innovación técnica fueron los criterios utilizados para seleccionar los bocetos finales que conforman esta muestra de diseño con enfoque antropológico.

El legado de la joyería ancestral en el 2026

En la actualidad, el diseño que incorpora raíces indígenas busca alejarse de la apropiación cultural para enfocarse en el reconocimiento de la autoría intelectual de los pueblos originarios. La música funciona como el vehículo que facilita esta conexión, permitiendo que las nuevas generaciones se acerquen a la historia de Colombia a través del arte.

Las instituciones culturales promueven estas iniciativas para fortalecer la economía naranja y el turismo cultural. La colección demuestra que la identidad del Caribe permanece vigente en los procesos de manufactura moderna, consolidando un puente entre el pasado prehispánico y la expresión artística contemporánea.

La trayectoria de Cheo Feliciano registró un punto de inflexión definitivo cuando el intérprete decidió abandonar la exposición pública en la cúspide de su carrera. Tras formar parte del sexteto de Joe Cuba y colaborar con Eddie Palmieri y los Alegre All-Stars, Feliciano optó por permanecer en Puerto Rico para enfrentar problemas personales relacionados con la adicción.

El cantante describió su situación en aquel periodo como un proceso donde estaba “botando la vida por el chorro”. Esta decisión no representó un retiro definitivo, sino una pausa necesaria para garantizar su integridad física y emocional ante un entorno que amenazaba su permanencia en la industria musical.

La influencia de Tite Curet Alonso y Ray Barretto en la vida de Cheo

El proceso de recuperación de Cheo Feliciano contó con el respaldo de figuras centrales de la música tropical. Tommy Olivencia, Ray Barretto y, de manera fundamental, el compositor Tite Curet Alonso, incentivaron al artista a buscar ayuda profesional. Bajo este acompañamiento, Feliciano ingresó voluntariamente a la institución Hogares Crea.

Mientras el intérprete se encontraba en tratamiento, la percepción general en el medio artístico era de incertidumbre sobre su futuro. Sin embargo, en las oficinas de Fania Records, la visión sobre el talento de Feliciano motivó una estrategia administrativa y humana poco frecuente en los contratos discográficos de la época.

El Proyecto Cheo: El financiamiento de la rehabilitación

Ray Barretto convenció a los directivos de Fania Records de que la voz de Cheo Feliciano era un activo indispensable para el género. La empresa decidió implementar lo que internamente se denominó como “El Proyecto Cheo”. Este plan consistió en costear la totalidad del proceso de rehabilitación del artista antes de programar cualquier sesión de grabación.

Fania Records asumió el compromiso de esperar el tiempo necesario para que el cantante se sintiera en condiciones óptimas de volver al estudio. Este acto de gestión permitió que Feliciano se concentrara exclusivamente en su salud, eliminando la presión comercial inmediata que caracteriza a la industria del entretenimiento.

El regreso de Cheo Feliciano: Del bolero íntimo a la salsa brava

Una vez concluido su tratamiento en Hogares Crea, Cheo Feliciano formalizó su vínculo con Fania Records. Su regreso a los escenarios confirmó la tesis de Barretto sobre su capacidad interpretativa. Feliciano demostró una versatilidad técnica que le permitía transitar entre el bolero, el son y la guaracha con naturalidad.

En las producciones de esta etapa, el artista destacó por su manejo de la métrica y el ritmo, siendo comparado por la crítica con una “ametralladora poética” debido a su agilidad en el soneo. Al mismo tiempo, su capacidad para interpretar temas románticos le otorgó una conexión profunda con la audiencia que buscaba líricas más íntimas.

El legado de una decisión de supervivencia en la música latina

El éxito de la rehabilitación de Cheo Feliciano permitió la creación de álbumes fundamentales para la historia de la salsa. Su caso se convirtió en un referente sobre la importancia del apoyo institucional y gremial ante las crisis de salud mental y adicciones en el mundo del espectáculo.

Hoy en día, la obra de Feliciano es estudiada por su riqueza técnica y su valor histórico. La decisión de “bajarse del tren del éxito” para priorizar la vida aseguró que el público pudiera disfrutar de su talento durante varias décadas más, consolidándolo como una de las voces más respetadas del catálogo de la Fania All-Stars.

La estructura anatómica de los caballos presenta una característica singular que los distingue de otros mamíferos terrestres. Las extremidades de estos animales no terminan en pies convencionales, sino en un solo dedo central. Este fenómeno es el resultado de un proceso evolutivo que se extendió por millones de años y transformó la locomoción de la especie.

La evolución redujo el número de dedos en los ancestros de los equinos para favorecer la velocidad. Originalmente, los antepasados de los caballos poseían varios dedos en cada extremidad. Con el paso del tiempo, el dedo central se fortaleció para soportar el peso total del animal y facilitar el desplazamiento en terrenos abiertos.

El dedo que prevaleció en el caballo moderno corresponde al dedo corazón o medio de la mano humana. Los huesos que conforman la parte inferior de la pata son homólogos a las falanges del ser humano. Esta adaptación permite una mayor eficiencia mecánica al momento de galopar y huir de posibles depredadores.

La composición biológica de la pezuña

La pezuña del caballo es, en términos científicos, una uña altamente especializada. Esta estructura está compuesta principalmente de queratina, la misma proteína que forma las uñas y el cabello en las personas. La pezuña protege el hueso interno, conocido como hueso pedal, y absorbe el impacto del peso contra el suelo.

El sonido característico del galope se produce por el contacto de esta uña gigante con la superficie. Caminar sobre un solo dedo permite a los caballos alcanzar altas velocidades con un menor gasto de energía. Esta especialización anatómica es única entre los grandes mamíferos que habitan las praderas y zonas de pastoreo.

Estudios paleontológicos indican que el género Eohippus, ancestro del caballo, tenía cuatro dedos en las patas delanteras. La transición definitiva hacia un solo dedo ocurrió hace aproximadamente 5 millones de años. Este cambio biológico coincidió con la expansión de las grandes llanuras y la necesidad de recorrer distancias largas.

Evolución y restos óseos rudimentarios

La anatomía interna del caballo actual conserva vestigios de sus dedos antiguos. Los dedos laterales no desaparecieron por completo, sino que se convirtieron en pequeños huesos rudimentarios. Estos restos óseos se encuentran a los costados del hueso principal de la pata y son conocidos en la medicina veterinaria como “huesos de la férula”.

La salud de la pezuña es fundamental para el bienestar general del equino. Al tratarse de una uña, esta estructura crece de manera continua durante toda la vida del animal. El mantenimiento constante y el uso de herraduras ayudan a prevenir el desgaste excesivo y protegen la sensibilidad del tejido interno.

Comprender esta disposición ósea permite mejorar los tratamientos veterinarios y las técnicas de entrenamiento. La biomecánica del caballo depende totalmente del soporte de este único dedo central. Esta realidad biológica resalta la complejidad de la adaptación de las especies a su entorno natural a lo largo de la historia.

El fenómeno del sincretismo religioso explica la fusión de diferentes creencias y símbolos a lo largo de la historia. Un ejemplo de este proceso es la conexión entre la diosa egipcia Isis, la deidad prehispánica Tonantzin y la Virgen de Guadalupe. Este vínculo se manifiesta a través de arquetipos y representaciones visuales que han viajado por diferentes culturas y continentes.

Cuando el catolicismo se expandió por el mundo, el proceso de evangelización no solo sustituyó creencias, sino que también las absorbió. En el caso de México, la figura de la Virgen de Guadalupe se vinculó con Tonantzin, la “Madre Tierra” de la cultura mexica. Sin embargo, los historiadores señalan que esta cadena de significados tiene raíces más antiguas que se remontan al Antiguo Egipto.

La evolución de la Madre Universal desde Egipto

La diosa Isis representaba en Egipto la maternidad, la magia y la fertilidad. Con la expansión del Imperio Romano, el culto a Isis llegó a Europa, donde se establecieron numerosos templos en su honor. Tras la cristianización del imperio, muchos de estos recintos se transformaron en santuarios marianos dedicados a la Virgen María.

Las similitudes simbólicas entre ambas figuras son precisas. Tanto Isis como la Virgen María son representadas como la Madre Universal. Un elemento iconográfico clave es la imagen de la madre amamantando o protegiendo a un niño divino. En el caso egipcio se trata de Horus, el salvador del mundo, mientras que en el cristianismo es la figura de Jesús.

El traslado de la iconografía al continente americano

Ambas deidades adoptaron el título de “Reina de los Cielos”. Esta iconografía viajó en las embarcaciones españolas durante la época de la conquista y se asentó en el Cerro del Tepeyac. En este sitio, donde originalmente se rendía culto a Tonantzin, surgió la devoción a la Virgen de Guadalupe, integrando elementos de las tres culturas.

El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) ha documentado cómo el Tepeyac era un centro de peregrinación prehispánico fundamental. La transición de Tonantzin a la Virgen de Guadalupe permitió que la población indígena mantuviera su devoción bajo un nuevo marco religioso. Este proceso es lo que los especialistas denominan sincretismo, donde las formas cambian pero el fondo arquetípico permanece.

Similitudes visuales y simbólicas permanentes

La representación de la Virgen con la luna a sus pies y rodeada de rayos solares también guarda relación con antiguos cultos astrales. En la mitología egipcia, Isis estaba estrechamente vinculada con la naturaleza y los ciclos celestes. Estas características se preservaron en las primeras representaciones de la Virgen con el niño Jesús en Europa, que posteriormente influyeron en la imagen guadalupana.

La historia de este mito milenario demuestra cómo las figuras de protección materna han sido una constante en la humanidad. La evolución de la imagen de la Madre Universal desde las riberas del Nilo hasta el corazón de México es un testimonio de la continuidad cultural. El estudio de estas conexiones permite comprender la complejidad de la identidad religiosa en la actualidad.

“Plástico”: La historia oculta de la canción de Willie Colón y Rubén Blades que bailas en la fiesta

Seguro la has bailado hasta el cansancio. Suena en la fiesta familiar, en el sonidero del barrio o en la radio mientras vas en el transporte, y es imposible que los pies se queden quietos. “Plástico”, en la voz de Rubén Blades y con la música de Willie Colón, es uno de esos himnos de la salsa que nos pone a gozar. Pero, ¿alguna vez te has detenido a escuchar lo que realmente dice la letra?

Detrás de ese ritmo sabroso y esa energía que te invita a la pista de baile, se esconde una de las críticas sociales más directas y potentes de la música latina. Es una canción que fue hecha para bailar, sí, pero también para despertar.

La gente de plástico que vemos todos los días

La canción, lanzada en 1978 como parte del legendario álbum Siembra, es un retrato de la superficialidad y el materialismo. Rubén Blades nos habla de esas personas que se preocupan más por las apariencias que por lo que son en realidad. Son “gente plástico”, que se viste con marcas, sonríe para la foto y busca aparentar una vida perfecta que no tiene.

Como dice la letra, son “personajes que no tienen faz”, que hablan de moda y de carros, pero que por dentro están vacíos. Blades los describe como seres que, aunque parecen de revista, son “de mentira, de cartón”. Es una crítica a esa cultura de querer ser alguien por lo que se tiene y no por lo que se es, un mensaje que, aunque fue escrito hace más de 40 años, hoy con las redes sociales se siente más actual que nunca.

El truco musical: De la pista de baile a la reflexión

La genialidad de Willie Colón y Rubén Blades no solo está en la letra, sino en la música. La canción no empieza como una salsa tradicional. Arranca con un ritmo disco, muy popular en esa época, que te atrapa de inmediato. Es una invitación directa a la fiesta.

Pero justo cuando estás en pleno baile, la música se detiene de golpe. El ritmo cambia y entra la voz de Rubén Blades, ya no cantando, sino narrando, como si te estuviera contando un secreto al oído. Es en ese momento cuando lanza la frase que es el corazón de toda la canción: “Se ven las caras, pero nunca el corazón”.

Este cambio brusco fue intencional. Es un truco para sacudir al que escucha, para decirle: “Oye, deja de bailar un momento y pon atención a esto que es importante”. Te obliga a pasar de la alegría del cuerpo a la reflexión de la mente.

Un grito de orgullo por ser de Latinoamérica

Después de criticar a la “gente plástico”, la canción da otro giro y se convierte en un poderoso llamado a la unidad y al orgullo latinoamericano. Blades nos recuerda que, a diferencia de esa gente superficial, los latinos no somos de plástico. Somos un pueblo con historia, con raíces y con conciencia.

El mensaje es claro: mientras otros se preocupan por lo material, nosotros tenemos una riqueza más grande en nuestra cultura, en nuestra gente y en nuestra historia de lucha. La canción termina con un llamado a los jóvenes estudiantes de toda Latinoamérica, pidiéndoles que no olviden sus raíces y que trabajen por un futuro mejor.

“Plástico” es mucho más que una canción para bailar. Es una clase de historia, una lección de vida y un recordatorio de que lo más valioso no es lo que se ve por fuera. La próxima vez que la escuches en una fiesta, báilala con más ganas, pero también con el orgullo de saber que formas parte de un pueblo que no es de plástico, sino de corazón.

Frankie Dante, cuyo nombre de nacimiento era Lenin Francisco Domingo Cerda, representó una de las voces más críticas dentro del género de la salsa durante la década de los 70. El intérprete nació en Santo Domingo en 1945 y se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde su entorno social influyó directamente en su propuesta musical. A diferencia de la tendencia comercial de la época, Dante enfocó su lírica en la denuncia social y política.

Al establecerse en el Bronx, el artista observó las condiciones de vida de la comunidad latina, marcadas por la pobreza y el racismo. Asimismo, el contexto de la Guerra de Vietnam y el reclutamiento de jóvenes del barrio motivaron su interés por utilizar la música como una herramienta de concienciación. Esta postura lo llevó a desarrollar lo que se conoció como salsa protesta o “salsa con rabia”.

El origen de la Orquesta Flamboyán y el activismo musical

En la década de los 60, fundó la Orquesta Flamboyán, una agrupación que se distinguió por su sonido agresivo y sus letras directas. Uno de sus temas más emblemáticos, “Si yo fuera presidente”, planteaba la eliminación de la milicia y el uso de los recursos públicos para el beneficio de la comunidad. Esta canción se convirtió en un referente del underground salsero en Nueva York.

La propuesta de Frankie Dante contrastaba con el auge de la salsa romántica, la cual dominaba las listas de popularidad y las preferencias de la industria discográfica. Mientras otros artistas se enfocaban en temáticas sentimentales, la Orquesta Flamboyán mantenía un discurso político que, según analistas del género, limitó su alcance comercial masivo. La industria priorizó ritmos destinados al baile sobre aquellos que invitaban a la reflexión social.

El declive comercial y los últimos años de Frankie Dante

A pesar de su relevancia en el circuito alternativo, la carrera de Dante enfrentó obstáculos debido a su negativa a suavizar su mensaje. Durante los años 80, el cantante fue diagnosticado con cáncer, enfermedad que deterioró su salud de manera progresiva. Pese a su condición física, continuó presentándose en clubes latinos de Nueva York, los cuales fueron sus últimos escenarios activos.

Frankie Dante falleció el 1 de marzo de 1993. Su deceso ocurrió sin grandes homenajes públicos ni coberturas mediáticas extensas en las portadas de la época. La desaparición física del artista marcó el cierre de una etapa en la que la salsa funcionó como un cronista de las dificultades de los inmigrantes en Estados Unidos. Su obra permanece como un registro histórico de la resistencia cultural latina.

La influencia de Frankie Dante en la salsa contemporánea

El legado de la Orquesta Flamboyán ha sido retomado por investigadores y coleccionistas que buscan rescatar la vertiente política del género. La colaboración de Dante con figuras como Larry Harlow permitió que su sonido experimental llegara a nuevos públicos. Actualmente, sus grabaciones son valoradas por su autenticidad y por representar la realidad de los barrios neoyorquinos de finales del siglo XX.

La trayectoria de Lenin Francisco Domingo Cerda demuestra la tensión existente entre la expresión artística y las exigencias del mercado musical. Aunque su voz se apagó en silencio, su discografía sigue siendo un punto de referencia para entender la evolución de la salsa en un contexto de lucha por los derechos civiles. La historia de Frankie Dante es la historia de la salsa que se negó a ser únicamente un producto de entretenimiento.

El centro nocturno Mambocafé Insurgentes albergará la presentación Retrópolis La Fiesta el próximo 15 de octubre en la Ciudad de México. El programa reúne comedia y presentaciones musicales centradas en canciones de la década de 1980. La producción contempla cinco horas de actividades continuas con un solo boleto de entrada.

Los organizadores convocaron al público a asistir con indumentaria alusiva a los años ochenta. El recinto abrirá su pista para alternar números de humor escénico y música en directo. La venta de accesos opera mediante plataformas digitales y líneas telefónicas de atención.

Cartelera artística de Retrópolis La Fiesta en Mambocafé Insurgentes

El comediante Tony Balardi encabeza el segmento humorístico de la cartelera. El actor presentará una rutina de monólogos e interacción con los asistentes en el escenario principal. Balardi suma participaciones continuas en programas de televisión abierta y centros de espectáculos del país.

El cantante Cox interpretará temas de pop latino que integran su repertorio discográfico. El vocalista mexicano incluirá reversiones de canciones de décadas pasadas dentro de su intervención sobre el escenario. Su presentación complementará las actividades musicales de la noche.

La cantante Montse Sanz y la agrupación La Voice Band completan la programación musical. El conjunto ejecutará versiones de canciones pop y rock en inglés y español de los años ochenta. Los músicos coordinarán arreglos instrumentales en vivo con pistas rítmicas de la época.

Ubicación del recinto y alternativas de transporte en Avenida Insurgentes

Mambocafé opera sobre el corredor vial de la alcaldía Benito Juárez, en la colonia Del Valle Centro. La dirección registrada sitúa el inmueble frente a las instalaciones del World Trade Center de la capital. La zona concentra opciones gastronómicas y servicios de estacionamiento con acomodadores.

La Línea 1 del Metrobús ofrece el enlace de transporte público más cercano a través de las estaciones Poliforum y La Piedad. Los usuarios de transporte por aplicación disponen de bahías de ascenso sobre las calles adyacentes de la colonia Nápoles y Del Valle.

La fiesta patronal de San Francisco Culhuacán presentará orquestas y agrupaciones de música tropical el sábado 10 y domingo 11 de octubre de 2026. La mayordomía y comités comunitarios organizaron dos fechas de conciertos en la alcaldía Coyoacán. Estas funciones extienden las celebraciones dedicadas a San Francisco de Asís.

Las jornadas congregarán a conjuntos de salsa, danzón, cumbia y música regional en espacios públicos del pueblo originario.

Cartelera musical del sábado 10 de octubre con orquestas y grupos en vivo

El programa incluye la participación de La Original Orquesta Hermanos Sánchez con arreglos para metales y percusiones. Su repertorio abarcará selecciones del catálogo del compositor Juan Gabriel.

El escenario recibirá también al grupo Los Gatos Negros con la interpretación vocal de Arturo Trejo. La agrupación ejecutará piezas de música tropical y balada rítmica durante su turno en el templete. El conjunto mantiene presentaciones en ferias patronales del centro del país.

La cartelera del sábado concluirá con la intervención de la Original Internacional Sonorísima I.S.S. de Miguel Ángel González. Esta orquesta presentará arreglos de música antillana y ritmos bailables para los asistentes. Los directores de las agrupaciones coordinarán los cambios de instrumentos entre cada turno.

Concierto de salsa y cumbia del domingo 11 de octubre con Adolescent’s Orquesta

La mayordomía comunitaria encabezará el programa musical del domingo 11 de octubre en el pueblo de San Francisco Culhuacán. La cartelera dominical integra a la agrupación Adolescent’s Orquesta.

El conjunto Venegas se sumará a la jornada con su repertorio de cumbia y ritmos bailables.

Las agrupaciones Los Navegantes y Primo Show completarán la programación musical del domingo. Ambos conjuntos aportarán temas de música tropical y cumbia andina con vestuarios tradicionales en el templete. Las comisiones vecinales supervisarán la continuidad técnica de las presentaciones en vivo.

El pueblo de San Francisco Culhuacán celebrará sus festividades patronales en honor a San Francisco de Asís con bailes sonideros del 3 al 9 de octubre de 2026. Diversas organizaciones vecinales programaron presentaciones musicales en la vía pública. Los eventos contarán con acceso libre para los asistentes locales y visitantes.

La festividad anual reúne a sonideros de la Ciudad de México y del Estado de México en diferentes puntos del pueblo. Las actividades integran tradiciones comunitarias como el palo encebado, quema de pirotecnia y ferias mecánicas. Los organizadores coordinan horarios escalonados para cada una de las jornadas sonoras.

Cartelera sonidera para el 3 y 4 de octubre en San Francisco Culhuacán

La Organización 2 de Abril abrirá las actividades sonideras el sábado 3 de octubre a las 20:00 horas. El baile tendrá sede en el cruce de la calle 2 de Abril y 5 de Mayo. La cartelera incluye a Sonido Madrazo, Sonido Tokada, Sonido Barrio, Sonido Galicia, Sonido El Conquistador, Sonido Tropical Miami y Sonido Matancena.

El domingo 4 de octubre concentrará dos eventos independientes con motivo del día principal de San Francisco de Asís. A partir de las 15:00 horas, la organización Los Popis La Esencia Original llevará a cabo una tardeada con Sonido Fuego Latino y Sonido Sabor Colombiano El Dionero.

Esa misma noche, la agrupación Los Originales Popis presentará su aniversario número 47 a partir de las 19:00 horas. La programación contempla las actuaciones de Manuel Perea con Sonido Fascinación, Pedro Pérez con Sonido Súper Dengue y Sonido Venezuela. Ambos bailes dominicales dispondrán de entrada gratuita.

Presentaciones del 8 y 9 de octubre con Rolley Mix y baile de feria

La música continuará el jueves 8 de octubre en las calles de la demarcación territorial. La organización Los Popis anunció la participación de Sonido Rolley Mix de Domingo Picaso junto a la Dinastía Eckos Perea proveniente del Peñón de los Baños. La jornada se enmarca en la categoría de Barrio Mágico de la zona.

El viernes 9 de octubre la Organización Los 5 de la 5 cerrará la serie de bailes sonideros. Esta función contará con las intervenciones de Sonido Sensación Barranco, Sonido Arkeny’s y Sonido Nueva Sensación en el marco de su sexto aniversario. La cartelera forma parte del tradicional baile de feria anual.