El Zócalo de la Ciudad de México recibirá el Gran Baile de Sonideros en 2026

La Secretaría de Cultura de la Ciudad de México anunció la realización del Gran Baile de Sonideras y Sonideros para el año 2026. Este evento masivo tendrá lugar en la Plaza de la Constitución y forma parte de las acciones para la promoción de la cultura popular en la capital del país. La confirmación de la fecha surge tras las mesas de trabajo realizadas con representantes del gremio musical y autoridades locales.

La información se dio a conocer durante la consulta del Plan General de Desarrollo 2025-2045, efectuada el pasado 3 de febrero en la Fábrica de Artes y Oficios (FARO) Aragón.

Fecha y ubicación del evento en el Centro Histórico

El Gran Baile de Sonideras y Sonideros 2026 está programado para el sábado 21 de marzo de 2026. La sede será el Zócalo de la Ciudad de México, ubicado en la colonia Centro de la alcaldía Cuauhtémoc. Las autoridades confirmaron que el acceso a la Plaza de la Constitución será gratuito para todo el público, permitiendo la asistencia de familias residentes tanto de la capital como de municipios conurbados.

Organización y selección de las agrupaciones participantes

La Secretaría de Cultura detalló que la programación musical para el evento de 2026 contará con la participación de 12 agrupaciones sonideras. La selección de estos grupos se realizó mediante un sorteo por tómbola para garantizar la equidad en la participación. Una de las características principales de esta edición es la paridad de género, ya que el elenco estará conformado en un 50% por mujeres y un 50% por hombres.

Los participantes se dividen en tres categorías basadas en su trayectoria dentro del movimiento sonidero:

1. Agrupaciones con más de 30 años de experiencia.
2. Agrupaciones con una trayectoria de entre 15 y 29 años.
3. Agrupaciones con menos de 15 años de actividad en el gremio.

Esta estructura busca dar visibilidad tanto a los sonidos con mayor tradición en colonias populares como a las nuevas generaciones que mantienen vigente este género musical en la Zona Metropolitana del Valle de México.

Homenajes y participaciones especiales

Dentro de la programación del Gran Baile de Sonideros 2026, se anunció que el Sonido Cóndor será el invitado de honor. La administración cultural realizará un homenaje a esta agrupación por su trayectoria y su aporte a la identidad musical de la ciudad. Además, la organización integrará a dos representantes de la comunidad sonidera migrante para abrir el escenario, reconociendo la expansión de esta cultura fuera de las fronteras nacionales.

El movimiento sonidero fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Ciudad de México en 2023. Esta distinción obliga a las instituciones a generar espacios para su preservación.

Banxico anuncia la emisión de una nueva moneda de 10 pesos para 2026

El Banco de México (Banxico) confirmó la puesta en circulación de una nueva moneda de 10 pesos que se integrará al sistema monetario nacional a partir de febrero de 2026. Esta pieza forma parte de las emisiones conmemorativas que la institución diseña para celebrar eventos de relevancia nacional. La autoridad monetaria establece que esta moneda convivirá con los diseños actuales, por lo que el público podrá utilizarla para realizar cualquier tipo de pago en establecimientos comerciales y servicios.

La emisión de nuevas piezas metálicas responde a la facultad del Banco de México para gestionar el circulante en el país. Según el comunicado oficial emitido el 5 de febrero de 2026, la moneda mantiene su valor nominal de diez pesos y posee curso legal ilimitado. Esto significa que ninguna persona o negocio puede rechazar su aceptación como medio de cambio. La introducción de esta pieza se realizará de manera gradual a través de las instituciones bancarias en todo el territorio mexicano.

Características técnicas y diseño de la nueva moneda de 10 pesos

La nueva moneda de 10 pesos conserva la estructura bimetálica que caracteriza a esta denominación. El Banco de México utiliza una aleación de alpaca plateada para la parte central y una aleación de bronce-aluminio para el anillo perimétrico. Estas especificaciones técnicas garantizan la durabilidad de la pieza y dificultan su falsificación. El diámetro y el peso se mantienen similares a las monedas de la familia C, lo que permite su uso en máquinas expendedoras y sistemas de cobro automático.

En el anverso, la moneda muestra el Escudo Nacional con la leyenda “Estados Unidos Mexicanos” en el semicírculo superior. El reverso presenta un diseño alusivo a la conmemoración del Bicentenario de la fundación de instituciones clave para el Estado mexicano. Los grabadores de la Casa de Moneda de México incluyeron elementos de seguridad como una imagen latente y un microtexto, los cuales permiten verificar la autenticidad de la pieza a simple vista. También aparece el año de acuñación y la ceca de la Casa de Moneda de México (M°).

Cuándo comienza la circulación de la moneda de 10 pesos en México

El proceso de distribución de la nueva moneda de 10 pesos iniciará en la segunda quincena de febrero de 2026. Banxico envía los lotes de monedas a las principales sucursales bancarias de la Ciudad de México, Ecatepec de Morelos, Naucalpan de Juárez y otras zonas metropolitanas. Desde estos puntos, las piezas ingresan a la economía diaria cuando los usuarios realizan retiros en ventanilla o reciben cambio en sus transacciones habituales.

La autoridad financiera estima que la distribución total en el país tardará varios meses. Durante este periodo, es común que las personas encuentren tanto el diseño tradicional como el nuevo modelo en sus monederos. El Banco de México recomienda a la población observar los detalles del diseño para familiarizarse con las nuevas medidas de seguridad. La presencia de esta moneda en el comercio local de Chimalhuacán y Ciudad Nezahualcóyotl será visible conforme avancen las remesas de efectivo desde las cajas regionales de Banxico.

Cómo identificar la autenticidad de la nueva moneda de 10 pesos

Para evitar confusiones o fraudes, el Banco de México señala tres puntos clave para identificar la moneda auténtica. Primero, el ensamble entre el centro plateado y el anillo dorado debe ser perfecto, sin rebabas ni separaciones. Segundo, al girar la moneda, la imagen latente debe cambiar de forma o mostrar un número según el ángulo de la luz. Tercero, el microtexto debe ser legible únicamente con ayuda de una lupa, manteniendo una definición clara en las letras.

El tacto también es un factor importante para reconocer la pieza. El canto de la moneda, es decir, el borde lateral, presenta un estriado discontinuo que los usuarios pueden percibir al pasar la yema de los dedos. Estas características son consistentes con los estándares internacionales de acuñación. Si una persona sospecha de la autenticidad de una pieza, debe acudir a cualquier sucursal bancaria para solicitar un análisis gratuito por parte de los expertos de Banxico.

El valor de las monedas conmemorativas en el mercado actual

Aunque la nueva moneda de 10 pesos tiene un valor nominal de diez pesos para cualquier compra, algunas piezas conmemorativas suelen despertar el interés de coleccionistas. Sin embargo, Banxico aclara que el valor oficial para el intercambio comercial no cambia. En mercados de numismática, el precio de estas monedas puede variar dependiendo de su estado de conservación y de la cantidad de piezas acuñadas, pero esto no afecta su función como dinero corriente en mercados, transporte público y negocios familiares.

La nostalgia y el gusto por conservar objetos de edición especial son comunes entre las familias mexicanas. Muchas personas optan por guardar las primeras piezas que llegan a sus manos como un recuerdo de la fecha conmemorativa. Esta práctica es frecuente en zonas como la Ciudad de México y el Estado de México, donde el flujo de efectivo es constante. No obstante, la recomendación de las autoridades es permitir la circulación de las monedas para mantener la eficiencia del sistema de pagos en efectivo.

Fundición a la cera perdida: La técnica milenaria de la joyería indígena

La creación de objetos de metal en las culturas prehispánicas alcanzó niveles de precisión que hoy se comparan con tecnologías modernas. Antes de la existencia de la impresión 3D, los pueblos indígenas de América desarrollaron y perfeccionaron la técnica de fundición a la cera perdida. Este método, que cuenta con más de 4,000 años de antigüedad, permitió la fabricación de piezas complejas en oro, cobre y platino que aún hoy resultan difíciles de replicar con exactitud.

La técnica no tuvo un único punto de origen, sino que se manifestó en diversas civilizaciones alrededor del mundo. Sin embargo, en el territorio que hoy comprende Colombia y otras regiones de América Latina, esta práctica floreció debido a la abundancia de metales preciosos y a la relación de los artesanos con su entorno natural. La disponibilidad de materias primas y el conocimiento profundo de los ciclos biológicos de la fauna local fueron determinantes para el éxito de esta industria artesanal.

El papel de las abejas meliponas en la orfebrería antigua

Un elemento fundamental para la fundición a la cera perdida fue la obtención de cera de alta calidad. Los antiguos orfebres utilizaban la cera producida por las abejas meliponas, una especie nativa de América que se caracteriza por no tener aguijón. A diferencia de las abejas con aguijón, que fueron introducidas posteriormente durante el periodo de la conquista, las meliponas permitían una recolección de cera más sencilla y segura para los indígenas.

La cera de estas abejas posee propiedades físicas ideales para el modelado. Es maleable a temperaturas bajas y permite un nivel de detalle superior al ser tallada. Los artesanos recolectaban este material de las colmenas naturales y lo procesaban para eliminar impurezas, obteniendo una base sólida sobre la cual proyectar sus diseños. Esta relación simbiótica con las abejas nativas es un ejemplo de cómo la tecnología indígena se integraba con los recursos del ecosistema sin alterarlo.

El proceso de modelado y fundición del metal

El procedimiento comenzaba con la creación de un modelo a escala real hecho totalmente de cera. Los artesanos calentaban el material para darle forma y utilizaban herramientas rudimentarias de piedra, madera o hueso para tallar los detalles más finos. Una vez que la figura de cera estaba terminada, se recubría con capas de arcilla o cerámica líquida, dejando un pequeño conducto de salida. Este molde se sometía al fuego, lo que provocaba que la cera se derritiera y saliera del interior, dejando un hueco exacto con la forma de la pieza original.

Posteriormente, el orfebre vertía el metal fundido (oro, cobre o una aleación llamada tumbaga) dentro del molde de arcilla. El metal ocupaba el espacio vacío dejado por la cera. Tras enfriarse, se rompía el molde cerámico para extraer la pieza metálica. Debido a que el molde debía destruirse para liberar el objeto, cada pieza resultante era única, ya que no existía una matriz permanente para realizar copias idénticas.

La falsa filigrana de la cultura Zenú

Una de las manifestaciones más destacadas de esta técnica es la llamada “falsa filigrana”, desarrollada principalmente por la cultura Zenú en las llanuras del Caribe colombiano. A diferencia de la filigrana auténtica, que se fabrica soldando hilos de metal, la falsa filigrana se lograba modelando hilos de cera extremadamente delgados que luego se fundían en una sola pieza de metal. Este método permitía crear estructuras caladas con una apariencia de tejido textil.

Las orejeras y pectorales Zenúes presentan diseños geométricos y representaciones de la fauna local con una delicadeza que sugiere un control absoluto sobre la temperatura del metal y la porosidad de los moldes. El nivel de detalle alcanzado en estas piezas es tal que, incluso con herramientas contemporáneas, los joyeros actuales enfrentan retos para igualar la uniformidad y el acabado de las obras prehispánicas.

Preservación del conocimiento artesanal en la actualidad

El legado de la fundición a la cera perdida persiste en la joyería contemporánea. Aunque hoy se utilizan hornos eléctricos y centrífugas para mejorar la eficiencia, el principio básico sigue siendo el mismo que aplicaban los indígenas hace milenios. La transición de la cera al metal sigue siendo un proceso crítico que requiere paciencia y precisión técnica. En la actualidad, diversos talleres de joyería en México y Colombia buscan rescatar estos métodos tradicionales para mantener viva la identidad cultural de la región.

El estudio de estas piezas en museos, como el Museo del Oro en Bogotá o el Museo Nacional de Antropología en la Ciudad de México, permite comprender la complejidad del pensamiento tecnológico antiguo. La orfebrería no era solo una actividad económica, sino una forma de plasmar la cosmogonía y el estatus social de los pueblos. La técnica de la cera perdida es, en esencia, el antepasado directo de los procesos de fabricación aditiva modernos, demostrando que la innovación ha estado presente en el continente americano desde tiempos remotos.

Francisco el Hombre: La leyenda del juglar que enfrentó al diablo con su acordeón

La historia de Francisco Moscote Guerra, conocido popularmente como Francisco el Hombre, constituye uno de los pilares fundamentales de la mitología del Caribe colombiano y de la música vallenata. Moscote Guerra fue un campesino guajiro cuya vida transcurrió entre finales del siglo XIX y principios del XX. Su figura representa la tradición de los juglares, músicos errantes que recorrían los pueblos de La Guajira y el Cesar llevando noticias y mensajes a través de sus composiciones.

De acuerdo con los relatos transmitidos por generaciones, Francisco el Hombre realizaba trayectos constantes entre diversas localidades de la región. En una de estas travesías, específicamente en el camino que conduce de Galán a Machobayo, ocurrió el evento que lo inmortalizó en la memoria colectiva. Bajo una noche despejada, el músico cabalgaba sobre su burro mientras ejecutaba melodías en su acordeón para amenizar el viaje.

El duelo musical en los caminos de La Guajira

El relato indica que, de manera repentina, otro acordeón comenzó a responder a las notas de Francisco desde la distancia. Lo que inició como un intercambio de melodías se transformó en un desafío técnico y creativo. Francisco Moscote Guerra aumentó la complejidad de sus ejecuciones, pero su interlocutor invisible replicaba cada nota con exactitud y superioridad técnica.

Este enfrentamiento musical se prolongó por un espacio de dos horas. Durante el duelo, los repiques de los instrumentos y los versos improvisados marcaron el ritmo de la contienda. La identidad del oponente permaneció oculta entre las sombras hasta que un destello de luz lunar permitió a Francisco visualizar la figura de su contrincante. Según la tradición oral, el ser que ejecutaba el otro acordeón era el diablo.

La estrategia de Francisco Moscote Guerra para vencer al mal

Al identificar la naturaleza de su oponente y notar que estaba perdiendo el duelo, Francisco el Hombre decidió cambiar su táctica. En lugar de competir únicamente a través de la destreza técnica del instrumento, recurrió a un elemento de carácter espiritual. El músico procedió a cantar los versos del Credo al revés, acompañándolos con una ejecución magistral de su acordeón.

Esta acción provocó la retirada inmediata del espectro, quien desapareció entre la oscuridad del camino. La victoria de Francisco sobre el diablo no solo consolidó su reputación como el mejor acordeonero de la región, sino que también estableció un precedente sobre la función del músico como protector de la comunidad frente a fuerzas inexplicables. Desde aquel momento, la leyenda ha servido de inspiración para los acordeoneros que buscan perfeccionar su arte en los aires sabaneros.

El impacto de Francisco el Hombre en la cultura vallenata

La influencia de Francisco Moscote Guerra trasciende el relato fantástico. Su figura es mencionada en obras literarias de relevancia internacional, como “Cien años de soledad” de Gabriel García Márquez, donde se le describe como un anciano trotamundos que lleva noticias de pueblo en pueblo. Esta mención subraya la importancia histórica de los juglares en una época donde los medios de comunicación eran inexistentes en las zonas rurales del Caribe.

En la actualidad, el Festival de la Leyenda Vallenata, celebrado anualmente en Valledupar, rinde homenaje a esta tradición. El título de “Rey Vallenato” que se otorga en la competencia principal busca reconocer a aquellos músicos que mantienen la esencia de la ejecución que caracterizó a Francisco el Hombre. La estructura de los cuatro aires del vallenato (son, paseo, merengue y puya) conserva los elementos narrativos y rítmicos que los juglares utilizaban en sus recorridos.

La geografía de la leyenda y su preservación

Los lugares mencionados en la historia, como Galán y Machobayo, pertenecen a la jurisdicción de Riohacha, en el departamento de La Guajira. Estos sitios reciben visitantes interesados en conocer el origen de la narrativa que define la identidad regional. La preservación de esta historia se realiza a través de monumentos, canciones y la transmisión oral en las familias de la zona.

La figura de Francisco el Hombre representa la resistencia cultural y la capacidad de la música para narrar la realidad y la fantasía de un pueblo. Su legado continúa presente en cada festival y en cada parrandas donde el acordeón es el protagonista. La historia de Francisco Moscote Guerra permanece como un recordatorio del origen humilde y campesino de uno de los géneros musicales más representativos de América Latina.

Tite Curet Alonso: El autor detrás de los grandes éxitos de la salsa

Catalino Curet Alonso, conocido en el mundo artístico como Tite Curet Alonso, nació el 12 de febrero de 1926 en el barrio de Guayama, Puerto Rico. Su formación inicial ocurrió en un entorno familiar donde la música y las letras estaban presentes; su madre ejercía el oficio de costurera y su padre se desempeñaba como trombonista y profesor de español. Tras la separación de sus progenitores, Curet Alonso se trasladó al sector de Santurce, en San Juan, lugar que definió su perspectiva social y creativa.

En Santurce, el compositor observó las condiciones de vida de la población afrocaribeña. Las vivencias relacionadas con la escasez de recursos y la diferenciación social en la zona influyeron en su producción lírica. Sus primeras composiciones se centraron en relatar la cotidianidad del ciudadano puertorriqueño, integrando elementos de la cultura popular y la identidad caribeña en sus textos.

Origen y primeros años de Catalino Curet Alonso

La trayectoria profesional de Tite Curet Alonso no comenzó directamente en la música a tiempo completo. Durante gran parte de su vida, trabajó en el Servicio Postal de los Estados Unidos, empleo que mantuvo incluso cuando sus canciones ya encabezaban las listas de popularidad. Esta estabilidad laboral le permitió observar de cerca las historias de la gente común, las cuales transformó en crónicas musicales.

Su primera composición destacada fue “El gran tirano”, una pieza escrita originalmente para el bolerista Roberto Ledesma. Sin embargo, la obra alcanzó el reconocimiento masivo bajo el título de “La tirana”, interpretada por la cantante cubana La Lupe. Este evento marcó el inicio de una colaboración prolífica con diversos artistas del género salsa y otros ritmos tropicales.

Artistas que interpretaron las letras de Tite Curet Alonso

La capacidad narrativa de Curet Alonso lo llevó a escribir más de dos mil canciones. Sus letras fueron fundamentales para consolidar las carreras de figuras centrales de la salsa. Entre los intérpretes que grabaron sus temas se encuentran Celia Cruz, Héctor Lavoe, Willie Colón y Rubén Blades. También colaboró con Ismael Miranda, Tito Puente, Tito Rodríguez y Ray Barretto.

Otros artistas que integraron composiciones de Tite Curet en su repertorio fueron Roberto Roena, Ismael Rivera, Frankie Ruiz y Willie Rosario. La versatilidad de sus letras permitió que fueran adaptadas a diferentes estilos, desde el bolero hasta la salsa brava. Temas como “Periódico de ayer”, interpretado por Héctor Lavoe, y “Anacaona”, en la voz de Cheo Feliciano, se convirtieron en piezas de referencia para el género.

El conflicto legal por los derechos de autor de sus canciones

A pesar del éxito comercial de sus obras, Tite Curet Alonso enfrentó dificultades legales relacionadas con la administración de sus derechos de autor. Durante casi tres décadas, una disputa legal impidió que muchas de sus canciones se transmitieran en las emisoras de radio de Puerto Rico. Este conflicto surgió a raíz de contratos firmados con editoras musicales que limitaron el acceso del compositor a las regalías generadas por sus éxitos.

Esta situación afectó la estabilidad económica del autor en sus últimos años. Diversas fuentes señalan que el compositor vivió con recursos limitados debido a la imposibilidad de cobrar lo correspondiente por la difusión de su catálogo musical. El litigio se resolvió años después de su fallecimiento, permitiendo que su música volviera a sonar libremente en los medios de comunicación.

El legado musical en la historia de la salsa

Tite Curet Alonso falleció el 5 de agosto de 2003 en Baltimore, Maryland, a causa de un paro respiratorio. Sus restos fueron trasladados a Puerto Rico, donde recibió homenajes por parte de la comunidad musical y el público en general. Su obra es considerada una crónica social del Caribe, pues sus letras abordaron temas como la justicia, el amor, la marginación y la esperanza.

La influencia de Curet Alonso permanece en las nuevas generaciones de músicos que retoman sus composiciones. Su habilidad para sintetizar la experiencia humana en canciones de tres o cuatro minutos le otorgó un lugar en la historia de la música tropical. Sus temas continúan presentes en el repertorio de orquestas de salsa en todo el mundo, manteniendo vigente el relato de la vida cotidiana que él plasmó en papel.

5 cumbias clásicas que mantienen su vigencia en el gusto popular

La cumbia representa uno de los pilares musicales en la cultura de la Ciudad de México y municipios del Estado de México como Ecatepec y Nezahualcóyotl. Este género, que fusiona ritmos africanos, indígenas y europeos, se mantiene presente en las reuniones familiares, el transporte público y los eventos sonideros. A continuación, se presenta una selección de cinco temas que forman parte del repertorio habitual en las celebraciones populares.

Diablos Locos y el impacto de “Canto Negro”

La agrupación mexicana Diablos Locos consolidó su presencia en la escena tropical con el tema “Canto Negro”. Esta canción destaca por el uso de percusiones marcadas y una estructura que invita al baile desde los primeros compases. El grupo, originario de Puebla, logró posicionar este tema en las estaciones de radio dedicadas al género tropical durante la década de los 90.

“Canto Negro” es una pieza recurrente en los bailes sonideros de la capital. La letra y el ritmo de esta canción reflejan la influencia de la cumbia colombiana adaptada al estilo mexicano, lo que permitió su adopción inmediata en las pistas de baile de barrios emblemáticos.

El sonido psicodélico de Afrosound con “Tiro al Blanco”

La agrupación colombiana Afrosound, creada bajo el sello de Discos Fuentes, aportó una sonoridad distinta a la cumbia con el uso de guitarras eléctricas y efectos de sintetizador. Su tema “Tiro al Blanco” es un ejemplo de la cumbia amazónica o psicodélica que tuvo un gran recibimiento en México.

Este tema se caracteriza por su instrumentación compleja y un ritmo acelerado que diferencia a Afrosound de otras orquestas de la época. En México, los sonideros adoptaron esta canción como un estandarte de la música tropical de exportación, integrándola en sus sets para demostrar la versatilidad del género.

Conjunto Los Rumberos y la “Cumbia del Puerto”

El Conjunto Los Rumberos es otra de las instituciones musicales que aportó piezas fundamentales al cancionero tropical. Su interpretación de “Cumbia del Puerto” evoca el ambiente de las zonas costeras y la tradición de los puertos donde la música tropical llegó por primera vez a territorio mexicano.

La estructura de esta canción sigue los patrones clásicos de la cumbia, con un enfoque en los instrumentos de viento y el acordeón. Este tema se asocia con la nostalgia de las vacaciones y las fiestas patronales, manteniendo una rotación constante en las listas de reproducción de música de catálogo.

La influencia peruana de Ranil y su Conjunto Tropical

Desde Perú, Ranil y su Conjunto Tropical introdujeron el sonido de la “chicha” o cumbia peruana con el tema “Gitanita”. Raúl Llerena Vásquez, conocido como Ranil, es una figura central en la música de la Amazonía peruana, y su estilo llegó a México gracias al intercambio cultural entre coleccionistas de discos y sonideros.

“Gitanita” destaca por su melodía pegajosa y el uso de la guitarra eléctrica como instrumento líder. Esta canción muestra cómo la cumbia se transformó en cada región de Latinoamérica, adquiriendo matices locales que, a pesar de las distancias geográficas, resuenan con el público mexicano por su energía y ritmo.

Papi Brandao y el cierre con “Viva Panamá”

Finalmente, la selección incluye a Papi Brandao y sus Ejecutivos con el tema “Viva Panamá”. Esta pieza rinde homenaje a la nación panameña, otro punto neurálgico para el desarrollo de la música tropical en el continente. La canción combina elementos de la cumbia con el sabor del istmo, resultando en una composición festiva.

Papi Brandao, reconocido acordeonista, imprimió un sello personal en sus grabaciones que facilitó su difusión internacional. “Viva Panamá” se utiliza frecuentemente para abrir o cerrar bloques musicales en eventos públicos debido a su carácter alegre y su capacidad para congregar a las personas en la pista de baile.

La permanencia de estas canciones en el gusto de mujeres y hombres de entre 25 y 54 años demuestra que la cumbia es un lenguaje generacional. Estos temas no solo representan entretenimiento, sino que forman parte de la memoria colectiva de las comunidades en el centro del país.

Arena CDMX anuncia ajustes en el formato del México Salsa Festival 2026

La empresa Zignia Live y el recinto Arena CDMX emitieron un comunicado oficial para informar sobre modificaciones en la estructura del evento México Salsa Festival 2026. De acuerdo con el documento difundido en redes sociales, el festival concentrará su actividad en una sola jornada, modificando la programación originalmente prevista para dos días.

Nueva fecha y elenco confirmado para el festival de salsa

El evento se llevará a cabo únicamente el domingo 12 de abril de 2026 en las instalaciones de la Arena CDMX, ubicada en la alcaldía Azcapotzalco. El inicio de las presentaciones está programado para las 19:00 horas. La organización confirmó que el cartel de artistas para esta fecha única está integrado por Jerry Rivera, Víctor Manuelle, Tony Vega e India.

Jerry Rivera, conocido en el género por su trayectoria iniciada en la década de los 90, compartirá el escenario con Víctor Manuelle, quien posee múltiples nominaciones a premios internacionales. Por su parte, Tony Vega y la cantante India completan el grupo de exponentes que se presentarán en esta celebración dedicada a la música tropical.

Proceso de reasignación de boletos para asistentes

Las personas que adquirieron entradas para la fecha del sábado 11 de abril recibirán un nuevo boleto de forma automática. Según el comunicado, este proceso iniciará el 10 de febrero de 2026 a través de la aplicación móvil SuperFan.

El nuevo acceso digital estará vinculado al correo electrónico utilizado durante la compra original. La empresa asegura que los asientos serán reasignados en la misma zona de precio que el usuario adquirió previamente. Es necesario que los asistentes cuenten con la aplicación actualizada para visualizar sus nuevos códigos de acceso.

Fechas y requisitos para solicitar reembolsos

Para los usuarios que decidan no asistir al evento tras el cambio de formato, se habilitará un periodo de devoluciones. El trámite de reembolso se realizará exclusivamente del 20 de febrero al 20 de marzo de 2026. Los interesados deben enviar un correo electrónico a la dirección [email protected] con el asunto “REEMBOLSO MÉXICO SALSA FESTIVAL 2026”.

Los requisitos varían según el tipo de entrada:

• Boletos físicos: Se requiere enviar una identificación oficial (INE o Pasaporte) y una imagen legible y completa de los boletos.
• Boletos digitales o no impresos: Es necesario adjuntar la identificación oficial, capturas de los códigos QR (solo boleto digital) y el correo de confirmación de compra en formato PDF.

El tiempo de respuesta estipulado por la boletera es de 5 a 7 días hábiles. Los conceptos sujetos a devolución incluyen el importe de los boletos, el seguro del boleto (en caso de haber sido contratado) y el importe de estacionamiento, si se adquirió de forma anticipada.

Canales de atención al cliente

La Arena CDMX y Superboletos pusieron a disposición de la audiencia canales de comunicación directa para resolver dudas adicionales. Los usuarios pueden contactar a la empresa vía WhatsApp al número +52 8116251483 o a través de la plataforma Messenger en la cuenta oficial de Superboletos MX.

Este ajuste en el formato busca, según los organizadores, concentrar la experiencia del festival en una sola jornada de presentaciones. La Arena CDMX, con capacidad para albergar a miles de espectadores, se mantiene como la sede oficial de este encuentro musical que reúne a figuras destacadas de la salsa internacional en la capital del país.

Discos de salsa de 1972: Producciones que marcaron la historia del género musical

El año 1972 representó un periodo de consolidación para la música afroantillana en Nueva York y el Caribe. Durante este ciclo, diversas orquestas y solistas publicaron trabajos discográficos que definieron el sonido de la “salsa dura” y establecieron las bases comerciales del género. La industria discográfica, liderada por sellos como Fania Records y sus filiales Vaya y Alegre, impulsó la distribución de estos materiales en mercados internacionales, incluyendo México.

La influencia de Fania Records y el sonido de Nueva York en 1972

La empresa Fania Records desempeñó un papel central en la producción musical de 1972. Willie Colón, junto a Héctor Lavoe, presentó el álbum El juicio, el cual incluyó temas como “Ah-Ah/O-No”. Esta producción continuó la línea narrativa de la “salsa de barrio” que caracterizó a la dupla durante la década de los 70. Por su parte, Johnny Pacheco, cofundador del sello, lanzó 10 Great Years, donde destaca la canción “La esencia del guaguancó”, reafirmando las raíces cubanas en el sonido neoyorquino.

En el mismo año, Bobby Valentín publicó Soy boricua, un disco que resaltó la identidad puertorriqueña en la diáspora. La canción “Aquella mujer” formó parte de este repertorio que combinó arreglos de metales con una sección rítmica orientada al bailador. Asimismo, la orquesta La Conspiración, bajo la dirección de Ernie Agosto, entregó el álbum Ernie’s Conspiracy, con el tema “S.E.R.A.”, aportando un sonido crudo y directo que ganó aceptación en los salones de baile.

El desarrollo de la salsa en Puerto Rico y las grandes orquestas

Mientras en Nueva York el sonido se tornaba más experimental, en Puerto Rico agrupaciones como El Gran Combo consolidaban su estilo. En 1972, la “Universidad de la Salsa” lanzó Por el libro, producción que contiene el éxito “Julia”. Este disco permitió a la agrupación mantener su vigencia en la radio y en las festividades populares de la isla y el continente.

Roberto Roena y su Apollo Sound también contribuyeron al catálogo de 1972 con el álbum 4. La canción “Con los pobres estoy” reflejó la temática social que algunos directores de orquesta comenzaron a integrar en sus letras. Por otro lado, Justo Betancourt publicó Pa bravo yo, cuya canción homónima se convirtió en un referente de la interpretación vocal masculina en el género.

Innovación instrumental y nuevas propuestas orquestales

La ejecución instrumental alcanzó niveles de especialización notables en las producciones de 1972. Charlie Palmieri, conocido como “El gigante del teclado”, presentó el disco homónimo que incluyó “La hija de Lola”. Esta obra destacó por el uso del piano y los arreglos de vientos. Tito Puente, por su parte, lanzó Para los rumberos, donde el tema “Niña y señora” mostró la maestría en la percusión que caracterizó al “Rey del Timbal”.

Nuevas agrupaciones también ganaron espacio en el mercado. Orchestra Dicupé debutó con un álbum homónimo que incluyó “Inferibious”, mientras que Orch. Haddock presentó el disco Presentando, con el tema “El terror de Ponce”. Estas orquestas aportaron matices diferentes al espectro sonoro de la época, utilizando combinaciones de trombones y trompetas que definieron el estilo de la salsa de principios de los 70.

Otras producciones relevantes de ese año incluyen a Meñique con el álbum Leovilo y la canción “Manigua”; La Conquistadora con su disco homónimo y el tema “Mami me gustó”; Rafi Val y la Diferente con el álbum La Diferente y la canción “Monina y Ramón”; y Andy Harlow con Sorpresa la flauta, destacando el tema “El primer Montuno”.

Impacto de las producciones de 1972 en la audiencia actual

Los discos publicados en 1972 mantienen su presencia en la programación de estaciones de radio y en las listas de reproducción de los seguidores de la salsa en la Ciudad de México y el Estado de México. La vigencia de estos materiales se observa en los eventos de baile y en la cultura de los sonideros, donde temas de Willie Colón, El Gran Combo y Bobby Valentín forman parte del repertorio habitual.

La estructura musical de estas grabaciones, caracterizada por grabaciones análogas y arreglos para orquestas completas, sirve como referencia para las nuevas generaciones de músicos. La distribución de estos álbumes en formato de vinilo durante los años 70 permitió que la música trascendiera las fronteras de Nueva York, estableciendo un vínculo cultural permanente con el público mexicano que consume salsa en el transporte público, negocios y hogares.

La Pollera Colorá: El origen de la cumbia más famosa del mundo y su historia en Colombia

La cumbia “La Pollera Colorá” representa uno de los pilares más importantes de la música tropical a nivel internacional. Aunque millones de personas bailan este ritmo en fiestas y eventos sociales, pocos conocen que su nacimiento ocurrió en un entorno urbano específico de Colombia durante la mitad del siglo XX. La pieza musical surgió de la observación y la vida cotidiana en el departamento de Santander.

El contexto histórico en Barrancabermeja durante los años 50

La historia de esta composición inicia en la década de 1950 en Barrancabermeja, una ciudad colombiana que experimentaba un crecimiento económico acelerado debido a la industria del petróleo. En ese periodo, la vida nocturna y los centros de entretenimiento florecieron, atrayendo a músicos de diversas regiones del país.

Uno de los lugares más concurridos de la época era el bar “Grill Hawaii”. En este establecimiento se presentaba la orquesta de Pedro Salcedo, de la cual formaba parte el clarinetista Juan Madera Castro, originario de Sincé, Sucre. La dinámica de estos centros nocturnos permitía a los músicos observar de cerca el baile y las costumbres de los asistentes, lo que sirvió como fuente de inspiración para nuevas melodías.

La inspiración de Juan Madera Castro y la mujer de la falda roja

Juan Madera Castro compuso la melodía original de “La Pollera Colorá” en el año 1961. El músico relató en diversas entrevistas que la idea surgió al observar a una mujer que frecuentaba el “Grill Hawaii”. Esta persona destacaba entre los demás asistentes por utilizar una falda roja (conocida en la región como pollera) y por su forma de bailar al ritmo de los tambores.

Madera Castro decidió trasladar esa imagen visual a una estructura musical utilizando el clarinete como instrumento principal. En su etapa inicial, la obra era una pieza instrumental que la orquesta de Pedro Salcedo interpretaba para animar a los bailadores. La respuesta del público fue inmediata, convirtiéndose en el tema más solicitado de las noches en Barrancabermeja.

La incorporación de la letra por Wilson Choperena

Tiempo después de que la melodía ganara popularidad en los salones de baile, el cantante Wilson Choperena decidió añadirle letra a la composición. Choperena, quien también formaba parte de la agrupación, redactó los versos que describen el movimiento de la mujer y el color de su vestimenta, complementando el trabajo previo de Madera Castro.

La combinación de la melodía de clarinete y la letra de Choperena dio como resultado la versión final que se grabó por primera vez. Sin embargo, la autoría de la canción generó controversias legales durante décadas. Wilson Choperena figuró durante mucho tiempo como el único autor en los registros, pero tras diversos procesos jurídicos, la historia y las autoridades reconocieron a Juan Madera Castro como el creador de la música y a Choperena como el autor de la letra.

Versiones icónicas y el impacto global de la canción

Desde su creación, “La Pollera Colorá” ha sido interpretada por una gran variedad de orquestas y artistas de diferentes géneros. Entre las versiones más destacadas se encuentran las de Lucho Bermúdez, quien le dio un toque de orquesta de salón, y la de Fruko y sus Tesos, que la adaptó con un sonido más robusto.

Incluso agrupaciones de otros géneros, como la Sonora Ponceña en la salsa, han incluido este tema en su repertorio. La trascendencia de la obra es tal que la Filarmónica de Bogotá ha realizado arreglos sinfónicos de la pieza, elevándola a un estatus de himno cultural. En México, la canción se integró profundamente en la cultura de la cumbia sonidera y es un elemento indispensable en el repertorio de las agrupaciones de música tropical.

El legado cultural de la cumbia en la actualidad

Hoy en día, “La Pollera Colorá” se identifica como un símbolo de la identidad colombiana y un referente de la cumbia en todo el mundo. La canción superó las fronteras de su país de origen para convertirse en una pieza universal que se estudia en conservatorios y se baila en todos los continentes.

Juan Madera Castro, quien falleció en julio de 2024 a los 102 años, dejó un legado que continúa vigente en cada interpretación de su obra. La historia de esta cumbia demuestra cómo una imagen cotidiana en un bar de una ciudad petrolera puede transformarse en una de las piezas musicales más importantes de la historia de la música latina.